Tomber par hasard sur l’œuvre de Nicolas Chardon sans chercher à la mettre dans une case ni à lui trouver de références dans l’histoire de la peinture, et vivre un instant où opère une certaine magie : nous contemplons, nous nous interrogeons, nous regardons de plus près et très rapidement se dessine un sourire sur notre visage, car nous arrivons à cerner ce qui se présente à nous. Il ne fait aucun doute que la personne derrière cette œuvre voue un véritable amour au tableau et fait preuve d’une ironie subtile, dont la légèreté est pour ainsi dire dansante et au-delà du cliché de l’artiste exprimant sur sa toile ce qu’il ressent en son for intérieur. Nous percevons à la fois le sérieux du travail de manière quasi intuitive et une réflexion profonde sur les conditions de la peinture, la technique et les matériaux, leurs possibilités à être porteuses de sens mais aussi leur source de stimulation, sans pouvoir ou vouloir l’exprimer directement avec des mots.

La première visite d’une exposition de Nicolas Chardon nécessite quelques explications : l’angle droit domine et la forme de base du carré est quasi omniprésente. Et pourtant, le contraire est tout aussi valable : en effet, vous ne trouverez aucun angle mesurant exactement 90 degrés ; des formes naturellement tordues et apparaissent de manière quasi inconstante sur les toiles. Nous voilà promptement en pleine réflexion pour ainsi dire ontologique sur les codes visuels et les principes d’ordre, les conventions et les accords culturels vis-à-vis de l’interprétation de la réalité. Bien que le fait de distinguer un véritable carré géométrique composé de quatre côtés égaux et de quatre angles droits sur les tableaux de Nicolas Chardon relève du pur hasard, nous décrirons toujours les formes comme des constructions orthogonales régulières et récurrentes, qui ont été déformées et tordues d’une manière ou d’une autre, et non des surfaces libres quasi insaisissables d’un point de vue mathématique.

Le fait que les modèles qui nous dictent une certaine vision du monde se basent essentiellement sur la régularité, les lois et les conventions communes a également pour conséquence qu’un potentiel anarchique, ou du moins humoristique, habite ces transgressions à l’évidence volontaires. Il existe visiblement une personne qui ne prend pas tellement au sérieux ce monde que nous avons créé pour nous orienter au quotidien et ne pas nous sentir dépassés par les possibilités, qui joue avec les règles et les conventions, qui contourne les structures et les attentes. Il est important de comprendre que l’artiste tout comme les contemplateurs y trouvent une certaine liberté : au premier plan, le discours théorique, dont le public néophyte peut facilement se sentir exclu, laisse sa place à l’expérience directe, la comparaison de la création artistique avec une vision déviant clairement de celle-ci.

Nicolas Chardon réussit à créer cette irritation productive en bousculant ce que nous avons l’habitude de voir. Même lorsqu’il choisit le matériau de son support, il propulse la peinture dans le monde de la vie quotidienne : il remplace la toile à peindre traditionnelle par des tissus ordinaires dont les motifs en damier dominants sont le résultat du savoir-faire de divers artisanats, comme les tissus Vichy, écossais ou madras utilisés pour confectionner aussi bien des torchons de cuisine que des vêtements. Une fois montés sur un châssis, ils forment déjà une sorte de tableau prédéfini constitué de lignes, de couleurs et d’un ordre. Cet ordre est toutefois fortement perturbé par un motif de tissage à la grande régularité qui est totalement distendu et déformé de manière incontrôlée par la tension exercée lors de la fixation sur le châssis. La grille rigoureuse du motif se transforme en océan agité de formes ayant perdu toute notion de limite, ou en termes plus mathématiques : une simple intervention transforme un espace euclidien en variétés de dimension 1 du principe de la relativité.

Après avoir appliqué une première couche transparente sur le tissu sous tension, laquelle laisse toujours transparaître le motif, Nicolas Chardon impose son propre ordre à ce système trouvé et manipulé : il utilise la plupart du temps de l’acrylique noire, mais aussi du rouge ou d’autres couleurs de temps à autre, pour peindre le long des linéatures prédéfinies, rassembler les formes et créer des « carrés » et « rectangles » plus grands (qui, justement, n’en sont plus vraiment), composer des méandres, des labyrinthes et des lettres, découlant tous de la grille. Tandis que le motif d’origine reste visible au niveau des tranches et confère quelque chose de tangible au tableau, la couleur blanche, qui l’entoure et qui représente traditionnellement le fond, arrive en dernière position, comme une sorte de cadre entourant les éléments. Nous croyons toujours possible de les décrire de manière géométrique et pourtant nous sommes aussitôt rappelés à l’ordre – cela équivaudrait à simplifier radicalement leur existence. Nous commençons réellement à nous triturer les méninges à partir du moment où nous prenons conscience du flou de notre propre interprétation, y compris celui des combinaisons de lettres peintes et des mots en résultant. Ces tableaux sont-ils abstraits (ce qu’ils proclament être parfois), concrets ou même figuratifs, sont-ils ironiques, discursifs ou intuitifs, sont-ils des solitaires, des séries ou des installations – représentent-ils un nouvel ordre, la porte du chaos ou alors tout à la fois ?

Le moment opportun est arrivé pour évoquer le « Carré noir », exposé par Kasimir Malevitch en 1915, représentant à la fois le point initial et le point final dans la peinture, afin de libérer le tableau d’une étreinte représentative et de rétablir la capacité de pensée dans l’art en tant que principe de connaissance humaine essentielle. Nous pouvons également faire référence à Marcel Duchamp et au ready-made, grâce auquel des objets de la vie quotidienne ont été considérés pour la première fois dignes de l’art. Il faudrait également insister sur le fait que Nicolas Chardon citait, avec des conséquences remarquables, déjà au début de sa carrière la légendaire Exposition « 0,10 » de Saint-Pétersbourg avec une ironie subtile et un amour désarmant pour la peinture. Dès lors et jusqu’à aujourd’hui il entraîne l’incunable du « Carré noir » à travers toutes les modulations imaginables, de l’abandon dans les rues de Rome aux structures construites avec raffinement. Certains se focalisent sur ces références tirées de l’histoire de l’art dès leur première rencontre avec les œuvres de l’artiste, mais leur regard est ainsi quelque peu détourné. En fin de compte, nous sommes toujours renvoyés à notre propre perception, à la joie de découvrir et de décrypter, à l’expérience physique de l’intouchable. Que peut-il y avoir de plus beau dans une exposition ? Comme le dit si bien Nicolas Chardon : « En démystifiant l’origine (…) et la fin (…), l’œuvre accède à une véritable présence matérielle, je dirais même concrète. »

Nicolas Chardon est diplômé de l’ENSBA Paris en 1997.
Il a été pensionnaire à la Villa Médicis, Académie de France à Rome en 2008 - 2009.
Il est co-fondateur de l’école alternative BABA et de la maison d’éditions CONNOISSEURS.
Il enseigne la peinture à la HEAD à Genève.
Il est représenté par la Galerie Laurent Godin (Paris), la Galerie van Gelder (Amsterdam) et la Gallery Shilla (Daegu – Seoul).

Depuis la fin des années 90 son travail est régulièrement montré dans des expositions individuelles et collectives en France et à l’étranger. Il est présent dans d’importantes collections privées et publiques, telles que Le Centre Pompidou - Musée National d’Art Moderne à Paris, le MUDAM - Musée d’Art moderne Grand-Duc Jean à Luxembourg, le Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg, le Musée d’Arts de Nantes, le Musée Voorlinden à Wassenaar (NL), la Fondation Meritz à Séoul, la collection Marta à Herford et EPO à Munich.
Il a participé à de nombreuses expositions parmi lesquelles La Force de l’Art au Grand Palais à Paris, Peinture / Malerei au Martin Gropius Bau à Berlin, Seconde main au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Tableaux au Magasin à Grenoble, Dystotal au Ludwig Forum à Aachen, Revolution in Red-Yellow-Blue au musée Marta à Herford.
En 2012 le Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg lui offrait sa première monographie muséale. En 2018 Il réalisait sa première exposition institutionnelle en Allemagne à la Kunsthalle de Bremerhaven.
En 2022 et 2023, en duo avec Karina Bisch, il réalise deux projets d’envergures, au MAC VAL à Vitry-sur-Seine et au Kunstmuseum de Bochum.

www.nicolaschardon.net

Roland Nachtigäller a étudié l’art, la communication visuelle, la langue et la littérature allemandes, et l’éducation aux médias à Kassel, en Allemagne. Après avoir effectué un assistanat de recherche au Kunsthalle Museum Fridericianum de Kassel, il a rejoint l’équipe de direction de DOCUMENTA IX en 1991. Il a ensuite poursuivi de nombreux projets d’exposition en tant qu’auteur et commissaire d’exposition indépendant, comme le projet de sculpture kunstwegen en 1998, Feldversuche en 2002 ou raumsichten en 2012. Avant d’être nommée directeur artistique du Marta Herford Museum, Nachtigäller a été directeur de la Städtische Galerie Nordhorn entre 2003 et 2008. Parmi les distinctions que le Marta Herford a obtenues sous sa direction, il a notamment été élu musée de l’année 2014 par l’Association internationale des critiques d’art (AICA). Après avoir développé avec succès pendant 13 ans ce musée emblématique (construit par Frank Gehry), il a déménagé en Rhénanie au début de 2022 pour assumer la direction de la Fondation et du Musée Insel Hombroich. Il est l’auteur de nombreux articles de catalogues, de livres et de blogs sur l’art contemporain.