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Rebecca Digne

by Asli Seven

Rebecca Digne

par Asli Seven

Before I met Rebecca Digne in person, I was pulled in by her works due to an unassuming, discreet quality I cherished in them. Her films and installations seemed to operate through subtle gestures and atmospheric shifts while remaining grounded in our experience of reality outside of the artistic frame. It seemed like she was finding and staging the extraordinary hidden in the details of a situation or a setting inscribed in continuity with lived experience itself. Repetitive movements and gestures ordinarily unfolding over set periods of time, like the matter-of-fact presence of an elephant slowly wandering through the gardens of the historic palazzo Villa Medici in “Metodo dei loci - chapitre I” (2019), as if this was a daily occurrence in the life of any elephant. This matter-of-fact framing of the event carries a subtle revelation of something not about the elephant, but about the surrounding architecture, its scales and around what it operates within the landscape. It is not an elephant freely roaming in an urban context that is shocking, but the palazzo’s construction itself, the measures and the landscaping of its gardens which become strange and alienating, standing out as the silent source of tension and suspense. This displacement is made possible by Rebecca Digne’s careful weaving of multiple threads between documentary and fiction: still frames and long shots make the camera and the artifice of montage almost disappear while the artifice of landscape architecture stands out against the bodily presence and slow movements of the pachyderm, this oversized living symbol of memory.

This initial encounter with one short film activated two fundamental questions that have informed my thinking for a while: what is the status of process set against a finished work of art? Where and what is the difference between a document and a work of art?

Rebecca Digne begins to talk about her process as situated in the “field”, outside of the studio. Akin to a dramatist and anthropologist combined, she reads, surveys and observes landscapes, relationships and situations like texts out of which she then selects elements, tensions and movements to stage and enact in collective actions, films and exhibition settings. She is interested in “the primary and the primitive”: the fundamental, bare and unapologetically utopian human experience of making: creating something together, relating to one another and to the matter of the Earth that surrounds us: soil, wood, rock, architecture, language.

In 2017, in response to the landscape of the Vassiviere island, she facilitates and films the construction of a raft out of dead wood by two craftsmen, without the use of electricity. Set in the woods of the island surrounding the International Centre for Art and Landscape, “L’Aventure”, the resulting film, documents this slow process of making tuned down to the scale of human hands, , and pierces through the exhibition setting as an eruption of process over the assumed autonomy of form. The resulting exhibition “A La hauteur de la terre” (2018) is imbued with an imaginary of movements between subterranean and surface realms that underline the precariousness of all architecture in time. A thick rope stretches and meanders through the space, an index of movement in height and distance, coils around two columns and shoots outside from the narrowest window, across the field surrounding the building, reaches the actual raft on the lake, whose “making of” is offered for contemplation in “L’Aventure”. With this gesture, an uncertainty hits the horizon of anticipation: is the raft pulling the building into a movement across the lake, or is it the exhibition that stabilizes the raft floating on the water? This loosening of signs from the stable moorings of their referents is Rebecca Digne’s invitation for emerging fictional potentials. She says: “A film tells a story, but an exhibition gives the possibilities for a narrative to emerge”.

The rope’s anchoring of the exhibition and the raft is echoed in the film as the two craftsmen extend a smaller cord on the ground to calculate the measurements of the raft to be built, standing on two edges of the line that connects them. The gesture of stretching, rolling out, pulling in and extending a rope to connect different points in time and space, to measure and scale, to relate things that seem distant or distinct in nature, to move bodies and thoughts along knots and threads, to project and recollect, operates both as a framing device and a narrative method across Rebecca Digne’s oeuvre.

An older performance-film, “Tracer le vide” (2017) stands out as a focal point gathering multiple threads that run through her works and materially connects with “A la hauteur de la terre” through the use of the exact same 600 meter rope. A collective performance carried out across the sea shores of Naples and Marseille and filmed in 8 and 16 mm features a group of friends. They take turns holding, stretching and coiling the cord around rocks, connecting their bodies to elements of the landscape as they move, grasp and release each other and the landscape by manipulating the rope. This is a pacing of the physical field between where Rebecca was born (Marseille) and where she grew up (Naples), moving between the sea and the land, between bodies and the emotional territories of language and meaning. This is a pacing of the playing field to create something together, to create and become a temporary community. The rope is a recording device, it documents and enables every move, it turns and coils, it stands for multiple moving relations, the rope is a montage, the rope stands for film, for the territories of thought.

I keep thinking about the raising of a tent, the tightening of ropes held between human hands, the woven texture of a tent wall or a sail against the wind, the anchoring into the ground of a circus tent as a narrative space where people assemble and disperse, a space that is open to experiences and that stores experience. Rebecca tells me of her youth spent working at a circus. She says: “Life brings me questions and work allows me to enact and experience them”.

Avant de rencontrer personnellement Rebecca Digne, j’ai Ă©tĂ© attirĂ©e par ses Ĺ“uvres en raison de leur caractère Ă  la fois discret et sans prĂ©tention, une qualitĂ© que j’apprĂ©ciais dans son travail. Ses films et ses installations semblent procĂ©der Ă  de subtils dĂ©placements et infimes changements d’atmosphère, tout en restant ancrĂ©s dans l’expĂ©rience que nous avons de la rĂ©alitĂ© en dehors du cadre artistique. C’est comme si elle parvenait Ă  dĂ©couvrir et Ă  mettre en scène l’extraordinaire qui se cache dans les dĂ©tails d’une situation ou d’un environnement inscrits dans la continuitĂ© de l’expĂ©rience vĂ©cue : des mouvements et des gestes rĂ©pĂ©titifs se dĂ©roulant habituellement dans un laps de temps dĂ©terminĂ©, comme en atteste, dans la vidĂ©o Metodo dei loci (chapitre 1) (2019), la prĂ©sence impassible d’un Ă©lĂ©phant dĂ©ambulant lentement dans les jardins de la Villa MĂ©dicis Ă  Rome, comme si cela faisait partie du quotidien de n’importe quel Ă©lĂ©phant. La mise en scène strictement factuelle de cet Ă©vĂ©nement est porteuse de rĂ©vĂ©lations subtiles non pas tant sur l’élĂ©phant lui-mĂŞme que sur l’espace architectural dans lequel il Ă©volue, son Ă©chelle et la manière dont cet espace s’intègre dans le paysage. Ce n’est pas le fait de voir un Ă©lĂ©phant dĂ©ambuler en toute libertĂ© dans un environnement urbain qui est choquant, mais l’architecture mĂŞme de la Villa MĂ©dicis, le paysage constituĂ© par ses jardins aux proportions monumentales, qui devient Ă©trange, s’imposant comme une source silencieuse de tension et d’angoisse. Ce dĂ©placement est rendu possible par la façon minutieuse dont Rebecca Digne tisse de multiples fils entre le documentaire et la fiction : ses images fixes et ses longs plans-sĂ©quences font presque oublier la prĂ©sence de la camĂ©ra et l’artifice du montage, tandis que la prĂ©sence physique et la lenteur des mouvements effectuĂ©s par le pachyderme – symbole vivant et surdimensionnĂ© de la mĂ©moire –, fait ressortir l’artifice du paysage.

Cette rencontre initiale avec une courte vidĂ©o de Rebecca Digne a fait surgir en moi deux interrogations fondamentales qui guident mes rĂ©flexions depuis un certain temps : quelle place faut-il accorder au processus par rapport Ă  l’œuvre achevĂ©e ? OĂą se situe la diffĂ©rence entre un simple document et une Ĺ“uvre d’art, et en quoi consiste-t-elle exactement ?

En 2017, en Ă©cho au paysage de l’île de Vassivière, elle a filmĂ© deux charpentiers compagnons du devoir, auxquels elle a demandĂ© de construire un radeau avec du bois mort trouvĂ© sur place. Le film qui en rĂ©sulte, Une Aventure (2018), tournĂ© dans les bois entourant le Centre international d’art et du paysage de l’île de Vassivière, documente ce lent processus de fabrication Ă  l’échelle de la main humaine et s’introduit dans l’espace d’exposition, comme pour mieux faire surgir la manière dont le processus prend le pas sur l’autonomie hypothĂ©tique de la forme. Le dispositif qui l’accompagne – Ă€ la hauteur de la terre (2018) – est imprĂ©gnĂ© des mouvements qui relient de manière imaginaire le monde souterrain et la surface visible, soulignant la fragilitĂ© temporelle de toute architecture. Une longue corde Ă©paisse se dĂ©ploie en serpentant Ă  travers l’espace, comme un indicateur du pĂ©rimètre et de la hauteur parcourus par sa trajectoire. La corde s’enroule autour de deux colonnes avant de dessiner une fuite vers l’extĂ©rieur par la fenĂŞtre la plus Ă©troite et de traverser l’étendue du champ qui entoure le bâtiment pour rejoindre le radeau rĂ©el qui flotte sur le lac, dont le making of nous est donnĂ© Ă  voir dans Une Aventure. Avec ce geste surgit un doute qui heurte nos attentes en les remettant en perspective : est-ce le radeau qui entraĂ®ne le bâtiment dans son mouvement perpĂ©tuel sur le lac ou est-ce l’espace d’exposition qui stabilise le radeau flottant sur l’eau ? Ce relachement des signes indiciels des amarres stables de leurs rĂ©fĂ©rents est l’invitation faite par Rebecca Digne Ă  l’Ă©mergence des potentiels de fiction. Elle me dit qu’: “un film raconte une histoire mais une exposition c’est de donner les possibilitĂ©s d’un rĂ©cit.”

La corde qui permet d’arrimer Ă  la fois l’exposition et le radeau trouve un Ă©cho dans le film, lorsque les deux charpentiers tendent une corde plus petite sur le sol pour prendre les mesures de l’embarcation Ă  construire, se tenant chacun d’un cĂ´tĂ© de la ligne qui les relie. Le geste qui consiste Ă  Ă©taler, Ă  dĂ©rouler, Ă  Ă©tirer et Ă  Ă©tendre une corde pour relier diffĂ©rents points dans le temps et l’espace – pour mesurer et dimensionner ; pour relier des choses qui paraissent distantes (ou distinctes) par nature ; pour dĂ©placer les corps et les pensĂ©es le long d’un mĂ©andre de nĹ“uds et de fils ; pour projeter et se souvenir – fait office, dans l’œuvre de Rebecca Digne, Ă  la fois de dispositif et de mĂ©thode narrative.

Une de ses crĂ©ations antĂ©rieures, une performance filmĂ©e intitulĂ©e Tracer le vide (2017), apparaĂ®t comme un point de convergence vers lequel se rassemblent les multiples fils qui traversent son Ĺ“uvre. Cette crĂ©ation est reliĂ©e matĂ©riellement Ă  l’exposition A la hauteur de la terre par l’utilisation de la mĂŞme corde de 600 mètres de long. Il s’agit d’une performance collective rĂ©alisĂ©e entre Naples et Marseille entre les rives de la MĂ©diterrannĂ©e, et filmĂ©e en Super 8 et dans un format 16 mm, prĂ©sentant un groupe d’amis. Ils se relaient pour tenir la corde, la dĂ©rouler et l’entourer autour des rochers, connectant leur corps aux Ă©lĂ©ments qui composent cet environnement tandis qu’ils se dĂ©placent, s’agrippant les uns aux autres et saisissant le paysage avec la corde avant de relâcher leur Ă©treinte et d’abandonner leur emprise sur les lieux. Il s’agit d’arpenter, Ă  travers ce film, le territoire qui se dĂ©ploie physiquement entre le lieu oĂą Rebecca est nĂ©e (Marseille) et celui oĂą elle a grandi (Naples), en opĂ©rant un dĂ©placement entre la mer et la terre, entre les corps et les territoires Ă©motionnels du langage et du sens. Il s’agit d’arpenter un terrain de jeu pour crĂ©er quelque chose ensemble, pour construire quelque chose en tant que communautĂ© Ă©phĂ©mère. La corde est un dispositif d’enregistrement qui documente et permet chaque mouvement ; elle s’enroule et se dĂ©roule ; elle est reprĂ©sentative de relations perpĂ©tuellement mouvantes ; elle est un montage de diffĂ©rents Ă©lĂ©ments ; elle tient lieu de la bobine du film, des territoires de la pensĂ©e.

Cette image ne cesse de m’évoquer le montage d’une tente, la tension des cordes tenues entre des mains humaines, la texture tissĂ©e d’une toile de tente ou d’une voile se dĂ©ployant contre le vent, l’arrimage dans le sol d’un chapiteau de cirque envisagĂ© comme un espace narratif dans lequel des gens se rassemblent et se rĂ©partissent, un espace Ă  la fois ouvert aux expĂ©riences et qui permet d’engranger des expĂ©riences. Rebecca me raconte qu’elle a passĂ© une partie de sa jeunesse Ă  travailler dans un cirque. Elle me dit: ” la vie m’apporte des questions que le travail me permet de vivre”.

METODODEILOCI_(chapitre 1)_2 / Video HD / 3mn/ Muet @ Rebecca Digne, ADAGP, 2023

METODODEILOCI_(chapitre 1)_2 / Video HD / 3mn/ Muet @ Rebecca Digne, ADAGP, 2023

Rebecca Digne
Rebecca Digne

Rebecca Digne was born in 1982 in Marseille, currently lives and works in Paris.

She graduated from the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris with jury honors in 2009. During two years (2010-2011) she is a resident at the Rijksakademie Van Beelden Kusten in Amsterdam then follow the residency programm of the Palais de Tokyo: Le Pavillon, in Paris (2013-2014) and Villa Medici in Rome, Italy (2018-2019).

Among her recent solo exhibitions : La Stanze at the art center 3bisF, Aix-en-Provence (2021), La Septième Chambre at 33 – MĂ©cènes du Sud, Marseille (2021), La Main heureuse, programme SUITE du CNAP et ADAGP Ă  la Halle (2020), Ă€ la hauteur de la terre , Centre International d’Art et du Paysage, ĂŽle de Vassivière (2018), Tracer le vide , Galerie Escougnou-Cetraro, Paris (2017).

Her work as been presented in several institutions and galeries as Palais de Tokyo in Paris, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (ARC), Musée Zadkine in Paris, Musée d’Art Moderne André Marlaux in le Havre, Musée des Abattoirs in Toulouse, Villa Medici in Rome, Palazzo Strozzi in Florence, Les Tanneries, Centre d’art d’Amilly, Labanque in Béthune , Fondation EDF in Paris, Fondation Memmo, Nomas Foundation in Rome, Maison Descartes the French Institut in Amsterdam, Collection Lambert in Avignon.

Her work is part of private and public collections such as Musée National d’art Moderne – Centre Georges Pompidou, Fonds Municipal d’Art Contemporain de la Ville de Paris (FMAC), CNAP, Fonds Régional d’art contemporain PACA (FRAC PACA), Fondation Memmo and Seven Gravity Collection.

Rebecca Digne’s pieces are enigmatic evocations that capture the projection and the exhibition space as a « place of resistance to the time. Â» The image, both subject and medium, is operated as a territory where intermingle with issues related to the matter of waiting, time, identity, gesture or ritual.

Rebecca Digne est née en 1982 à Marseille. Elle vit et travaille à Paris.

Diplômée de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris avec les félicitations du jury puis résidente pendant deux ans à la Rijksakademie Van Beelden Kunsten à Amsterdam en 2010-2011. Elle suit ensuite le programme du Pavillon, laboratoire de création au Palais de Tokyo en 2013-2014 à Paris. Elle est pensionnaire à la Villa Médicis à Rome en 2018-2019.

Parmi ses expositions personnelles récentes:
« La Stanze Â» au lieu d’art contemporain 3bisF, Aix-en-Provence (2021)
« La Septième Chambre Â» au 33 – MĂ©cènes du Sud, Marseille (2021)
« La Main heureuse Â» Ă  la Halle, Pont-en-Royans (2020)
« Ă€ la hauteur de la terre Â», Centre International d’Art et du Paysage, ĂŽle de Vassivière (2018)
« Tracer le vide Â», Galerie Escougnou-Cetraro, Paris (2017)

Son travail a été exposé dans de nombreux musées et centres d’art tels que: Palais de Tokyo à Paris, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Musée Zadkine à Paris, Musée d’Art Moderne André Marlaux au Havre, Musée des Abattoirs à Toulouse, Villa Medicis à Rome, Palazzo Strozzi à Florence, Centre d’art d’Amilly, Labanque à Béthune , La Fondation EDF à Paris, Fondation Memmo à Rome, Fondation Nomas à Rome, Maison Descartes, Institut Français des Pays-Bas, Fondation Yvon Lambert.

Asli Seven
Asli Seven

Asli Seven is an independent researcher, curator and writer based between Istanbul and Paris. Her research and curatorial projects focus on infrastructure, landscape, pedagogy and performativity of documents, with an emphasis on fieldwork, ficto-criticism and co-creation.

In 2020-21 she was the recipient of CNAP and Cité des Arts grant and residency for curators in Paris. Since 2014 she has collaborated as curator and writer with Arter, SALT, IKSV, Protocinema, The Pill, Bilsart and others in Istanbul; and CNAC Magasin, Grenoble, thankyouforcoming, Nice and Galerie La Box, Bourges, in France. Since 2018 she has lead workshops and taught as guest lecturer at Sotheby’s Institute of Art, London, MOCO Esba Montpellier, Arter Research Program, Istanbul and ENSA Bourges. She holds a doctoral level degree on Artistic Research delivered by ENSA Bourges and EESI Poitiers-Angouleme (2019) and a Research MA in Political Science from Université Paris 1 – Sorbonne. She is a member of AICA, C-E-A (French Association for Curators) and a collaborator with Independent Curators International (ICI).

Asli Seven est chercheuse, curatrice et écrivaine vivant et travaillant entre Paris et Istanbul. Ses recherches se portent sur l’infrastructure, le paysage, la pédagogie et la performativité des documents avec un intérêt pour les pratiques de terrain, de fiction critique et processus de co-création.

En 2020-21 elle est laurĂ©ate de la rĂ©sidence et bourse CNAP et la CitĂ© des Arts Ă  Paris pour les commissaires d’exposition. Depuis 2014 elle a collaborĂ© en tant qu’écrivaine et curatrice avec Arter, SALT, IKSV, Protocinema, The Pill, et Bilsart Ă  Istanbul, et CNAC Magasin, Grenoble ; thankyouforcoming, Nice et La Box Bourges en France. Elle a enseignĂ© dans diverses structures depuis 2018, comme Sotheby’s Institute of Art, Londres, MO.CO Esba Montpellier, Arter Programme de Recherche, Istanbul et ENSA Bourges. Elle a un Master recherche en Sciences politiques de l’UniversitĂ© Paris 1 La Sorbonne (2007) et d’un DiplĂ´me SupĂ©rieur de Recherche en Arts de l’ENSA Bourges et l’EESI Poitiers-Angouleme (2019). Elle est membre de l’AICA, de C-E-A (Association Française des Commissaires d’Exposition) et collaboratrice auprès de Independent Curators International (ICI).

Squid ink; blackberry; elderberry; methylene blue; velvet; silk; cotton; lead; polyvinyl chloride; charcoal; flowers; saffron; St John’s wort; wax; blue aragonite; voices; breath – a brief inventory of the stuff of Adélaïde Feriot’s work hints at her fascination with the sensorial experience of life and the wildness of nature. Feriot’s practice is a poetic and meditative exploration of the relationship between living beings, objects, and natural phenomena. Her poetically titled works variously take the form of tableaux vivants; delicately-cast lead sculptures suspended on coloured cotton; sumptuous velvet capes, and ethereal silk installations hand-tinted by the artist with a cocktail of plant pigments. Feriot’s works operate as double agents, as both objects to be displayed and engaged in active dialogue. The charged space between the art object and the spectator/performer is the space in which Feriot’s work oscillates freely.

Adélaïde Feriot, Isabella Maidment