Avant de rencontrer personnellement Rebecca Digne, j’ai été attirée par ses œuvres en raison de leur caractère à la fois discret et sans prétention, une qualité que j’appréciais dans son travail. Ses films et ses installations semblent procéder à de subtils déplacements et infimes changements d’atmosphère, tout en restant ancrés dans l’expérience que nous avons de la réalité en dehors du cadre artistique. C’est comme si elle parvenait à découvrir et à mettre en scène l’extraordinaire qui se cache dans les détails d’une situation ou d’un environnement inscrits dans la continuité de l’expérience vécue : des mouvements et des gestes répétitifs se déroulant habituellement dans un laps de temps déterminé, comme en atteste, dans la vidéo Metodo dei loci (chapitre 1) (2019), la présence impassible d’un éléphant déambulant lentement dans les jardins de la Villa Médicis à Rome, comme si cela faisait partie du quotidien de n’importe quel éléphant. La mise en scène strictement factuelle de cet événement est porteuse de révélations subtiles non pas tant sur l’éléphant lui-même que sur l’espace architectural dans lequel il évolue, son échelle et la manière dont cet espace s’intègre dans le paysage. Ce n’est pas le fait de voir un éléphant déambuler en toute liberté dans un environnement urbain qui est choquant, mais l’architecture même de la Villa Médicis, le paysage constitué par ses jardins aux proportions monumentales, qui devient étrange, s’imposant comme une source silencieuse de tension et d’angoisse. Ce déplacement est rendu possible par la façon minutieuse dont Rebecca Digne tisse de multiples fils entre le documentaire et la fiction : ses images fixes et ses longs plans-séquences font presque oublier la présence de la caméra et l’artifice du montage, tandis que la présence physique et la lenteur des mouvements effectués par le pachyderme – symbole vivant et surdimensionné de la mémoire –, fait ressortir l’artifice du paysage.

Cette rencontre initiale avec une courte vidéo de Rebecca Digne a fait surgir en moi deux interrogations fondamentales qui guident mes réflexions depuis un certain temps : quelle place faut-il accorder au processus par rapport à l’œuvre achevée ? Où se situe la différence entre un simple document et une œuvre d’art, et en quoi consiste-t-elle exactement ?

En 2017, en écho au paysage de l’île de Vassivière, elle a filmé deux charpentiers compagnons du devoir, auxquels elle a demandé de construire un radeau avec du bois mort trouvé sur place. Le film qui en résulte, Une Aventure (2018), tourné dans les bois entourant le Centre international d’art et du paysage de l’île de Vassivière, documente ce lent processus de fabrication à l’échelle de la main humaine et s’introduit dans l’espace d’exposition, comme pour mieux faire surgir la manière dont le processus prend le pas sur l’autonomie hypothétique de la forme. Le dispositif qui l’accompagne – À la hauteur de la terre (2018) – est imprégné des mouvements qui relient de manière imaginaire le monde souterrain et la surface visible, soulignant la fragilité temporelle de toute architecture. Une longue corde épaisse se déploie en serpentant à travers l’espace, comme un indicateur du périmètre et de la hauteur parcourus par sa trajectoire. La corde s’enroule autour de deux colonnes avant de dessiner une fuite vers l’extérieur par la fenêtre la plus étroite et de traverser l’étendue du champ qui entoure le bâtiment pour rejoindre le radeau réel qui flotte sur le lac, dont le making of nous est donné à voir dans Une Aventure. Avec ce geste surgit un doute qui heurte nos attentes en les remettant en perspective : est-ce le radeau qui entraîne le bâtiment dans son mouvement perpétuel sur le lac ou est-ce l’espace d’exposition qui stabilise le radeau flottant sur l’eau ? Ce relachement des signes indiciels des amarres stables de leurs référents est l’invitation faite par Rebecca Digne à l’émergence des potentiels de fiction. Elle me dit qu’: “un film raconte une histoire mais une exposition c’est de donner les possibilités d’un récit.”

La corde qui permet d’arrimer à la fois l’exposition et le radeau trouve un écho dans le film, lorsque les deux charpentiers tendent une corde plus petite sur le sol pour prendre les mesures de l’embarcation à construire, se tenant chacun d’un côté de la ligne qui les relie. Le geste qui consiste à étaler, à dérouler, à étirer et à étendre une corde pour relier différents points dans le temps et l’espace – pour mesurer et dimensionner ; pour relier des choses qui paraissent distantes (ou distinctes) par nature ; pour déplacer les corps et les pensées le long d’un méandre de nœuds et de fils ; pour projeter et se souvenir – fait office, dans l’œuvre de Rebecca Digne, à la fois de dispositif et de méthode narrative.

Une de ses créations antérieures, une performance filmée intitulée Tracer le vide (2017), apparaît comme un point de convergence vers lequel se rassemblent les multiples fils qui traversent son œuvre. Cette création est reliée matériellement à l’exposition A la hauteur de la terre par l’utilisation de la même corde de 600 mètres de long. Il s’agit d’une performance collective réalisée entre Naples et Marseille entre les rives de la Méditerrannée, et filmée en Super 8 et dans un format 16 mm, présentant un groupe d’amis. Ils se relaient pour tenir la corde, la dérouler et l’entourer autour des rochers, connectant leur corps aux éléments qui composent cet environnement tandis qu’ils se déplacent, s’agrippant les uns aux autres et saisissant le paysage avec la corde avant de relâcher leur étreinte et d’abandonner leur emprise sur les lieux. Il s’agit d’arpenter, à travers ce film, le territoire qui se déploie physiquement entre le lieu où Rebecca est née (Marseille) et celui où elle a grandi (Naples), en opérant un déplacement entre la mer et la terre, entre les corps et les territoires émotionnels du langage et du sens. Il s’agit d’arpenter un terrain de jeu pour créer quelque chose ensemble, pour construire quelque chose en tant que communauté éphémère. La corde est un dispositif d’enregistrement qui documente et permet chaque mouvement ; elle s’enroule et se déroule ; elle est représentative de relations perpétuellement mouvantes ; elle est un montage de différents éléments ; elle tient lieu de la bobine du film, des territoires de la pensée.

Cette image ne cesse de m’évoquer le montage d’une tente, la tension des cordes tenues entre des mains humaines, la texture tissée d’une toile de tente ou d’une voile se déployant contre le vent, l’arrimage dans le sol d’un chapiteau de cirque envisagé comme un espace narratif dans lequel des gens se rassemblent et se répartissent, un espace à la fois ouvert aux expériences et qui permet d’engranger des expériences. Rebecca me raconte qu’elle a passé une partie de sa jeunesse à travailler dans un cirque. Elle me dit: ” la vie m’apporte des questions que le travail me permet de vivre”.

Rebecca Digne est née en 1982 à Marseille. Elle vit et travaille à Paris.

Diplômée de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris avec les félicitations du jury puis résidente pendant deux ans à la Rijksakademie Van Beelden Kunsten à Amsterdam en 2010-2011. Elle suit ensuite le programme du Pavillon, laboratoire de création au Palais de Tokyo en 2013-2014 à Paris. Elle est pensionnaire à la Villa Médicis à Rome en 2018-2019.

Parmi ses expositions personnelles récentes:
« La Stanze » au lieu d’art contemporain 3bisF, Aix-en-Provence (2021)
« La Septième Chambre » au 33 – Mécènes du Sud, Marseille (2021)
« La Main heureuse » à la Halle, Pont-en-Royans (2020)
« À la hauteur de la terre », Centre International d’Art et du Paysage, Île de Vassivière (2018)
« Tracer le vide », Galerie Escougnou-Cetraro, Paris (2017)

Son travail a été exposé dans de nombreux musées et centres d’art tels que: Palais de Tokyo à Paris, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Musée Zadkine à Paris, Musée d’Art Moderne André Marlaux au Havre, Musée des Abattoirs à Toulouse, Villa Medicis à Rome, Palazzo Strozzi à Florence, Centre d’art d’Amilly, Labanque à Béthune , La Fondation EDF à Paris, Fondation Memmo à Rome, Fondation Nomas à Rome, Maison Descartes, Institut Français des Pays-Bas, Fondation Yvon Lambert.

Asli Seven est chercheuse, curatrice et écrivaine vivant et travaillant entre Paris et Istanbul. Ses recherches se portent sur l’infrastructure, le paysage, la pédagogie et la performativité des documents avec un intérêt pour les pratiques de terrain, de fiction critique et processus de co-création.

En 2020-21 elle est lauréate de la résidence et bourse CNAP et la Cité des Arts à Paris pour les commissaires d’exposition. Depuis 2014 elle a collaboré en tant qu’écrivaine et curatrice avec Arter, SALT, IKSV, Protocinema, The Pill, et Bilsart à Istanbul, et CNAC Magasin, Grenoble ; thankyouforcoming, Nice et La Box Bourges en France. Elle a enseigné dans diverses structures depuis 2018, comme Sotheby’s Institute of Art, Londres, MO.CO Esba Montpellier, Arter Programme de Recherche, Istanbul et ENSA Bourges. Elle a un Master recherche en Sciences politiques de l’Université Paris 1 La Sorbonne (2007) et d’un Diplôme Supérieur de Recherche en Arts de l’ENSA Bourges et l’EESI Poitiers-Angouleme (2019). Elle est membre de l’AICA, de C-E-A (Association Française des Commissaires d’Exposition) et collaboratrice auprès de Independent Curators International (ICI).