POÉTIQUE SOLAIRE
Écologie de la pratique dans l’œuvre d’Adrien Vescovi

Le soleil joue depuis l’Antiquité un rôle essentiel dans nos imaginaires utopiques, il est la source d’énergie ultime, celle qui transcende les frontières géographiques, capable de guérir notre condition humaine autant que notre environnement.

L’intérêt d’Adrien Vescovi pour le soleil se nourrit d’un dialogue resserré avec la nature, puisqu’il se refuse à la traiter dans une relation maître/esclave et l’envisage davantage comme matériau. Son travail dessine une épistémologie du soleil et du sud, activée par une écologie des processus, des matériaux et des formes.

Le soleil est la composante fondamentale de son ensemble d’œuvres « Soleil Blanc  » (2021), nommée ainsi en référence à l’éblouissement provoqué par la réverbération de la lumière sur la neige. En référence directe à la couleur principale constituante du soleil, à savoir le « blanc », les toiles et les installations qui appartiennent à « Soleil Blanc » dévoilent les nombreuses potentialités chromatiques exprimées par la lumière, encourageant le spectateur ou la spectatrice à regarder au-delà de la pureté « blanche » imposée de manière hégémonique dans notre environnement, afin d’apprécier les nombreuses nuances de blanc, ainsi que les traces d’obsolescence laissées par l’action des agents naturels du temps.

Ces œuvres sont le résultat d’un long processus d’expérimentation initié par Vescovi alors qu’il vivait dans la région alpine de Haute Savoie (entre 2015 et 2017). Moment où l’artiste a commencé à employer des éléments atmosphériques et des composants végétaux comme agents principaux de son travail. Vescovi a cueilli des fleurs et des plantes sauvages qu’il a fait macérer dans des bains de décoction, imbibant d’imposants textiles de coton et de lin recyclés. Il a ensuite suspendu ses toiles à l’extérieur de son atelier pour qu’ils s’imprègnent des agents atmosphériques — pluie, neige, rayons du soleil et de la lune, vent— avant de les rassembler.

Les différentes radiations solaires UV A et B, particulièrement puissantes dans les Hautes-Alpes mais invisibles à l’œil nu, sont rendues palpables sur les toiles, mettant en évidence le rôle immersif et actif de la lumière autant que de l’environnement naturel. L’artiste partage la paternité de l’œuvre avec les éléments naturels tout en accompagnant le textile dans son état transitoire. La nature n’est pas quelque chose d’extérieur à la toile ni un sujet qu’il s’agirait de dépeindre de manière passive — elle joue au contraire un rôle actif dans le processus.

Le temps est un autre agent fondamental dans l’écologie de la pratique d’Adrien Vescovi. L’artiste invite le temps à agir sur ses toiles à la manière de l’acide qui mord une plaque gravée. L’inscription du temps sur le tissu se matérialise par des traces laissées dans la fibre et dans la peinture. Ce faisant, il inscrit l’œuvre dans le temps de la nature, prêtant attention aux multiples acceptions temporelles.

Dans les œuvres réalisées après son installation à Marseille, la technique employée passe des pigments végétaux aux pigments minéraux : ocre et terres recueillies sur le sol du Vaucluse, du Roussillon ou de la Bourgogne, sans oublier l’Italie, Chypre et le Maroc, pénètrent le textile d’une teinte méditerranéenne. Vescovi imprègne ses textiles de géologie temporelle en teignant chaque section avec des pigments collectés dans différents endroits, chacun représentant une couche simultanément lyrique et géologique.

Le textile s’apparente à un cyanotype absorbant le paysage et la terre entre ses fibres. Ce processus se rapproche de celui du support photographique comme dispositif d’enregistrement. À l’opposé de la notion de « site spécifique », l’œuvre porte en elle la spécificité du lieu où elle a été créée. Cette forme picturale « atmosphérique » autorise les toiles à absorber leur contexte environnemental. En ce sens, l’art de Vescovi, bien qu’abstrait, s’avère néanmoins hautement représentatif.

Le souvenir de la lumière est probablement la première chose que l’on rencontre au réveil d’une période d’amnésie. Le réveil d’un état comatique, après un accident subit en 2012, a constitué un point de départ majeur dans le développement de l’œuvre de l’artiste et à marqué son intérêt pour la matérialité mémorielle. À travers son travail, l’empreinte des souvenirs du paysage, les mémoires climatiques et les récits de l’anthropocène s’entremêlent, soulevant des questions qui portent sur notre héritage matériel et environnemental.

La technique de teinture qu’il emploie pour « peindre » sur ses toiles est ancestrale. Une substance est déposée dans une casserole d’eau chauffée afin d’extraire les composés de la teinture dans une solution diluée à l’eau. Vescovi recueille l’eau, la chauffe puis la refroidit au cours d’un processus long de trempage qui génère une palette de couleurs imprévisible. Les textiles à teindre sont ensuite placés dans la marmite et maintenus à feu doux jusqu’à obtention de la couleur souhaitée. L’eau est le plus souvent réutilisée afin de produire de nouvelles œuvres.

Alors que l’industrie textile génère un cinquième de la pollution industrielle mondiale par l’emploi de produits chimiques, le travail de Vescovi, comme l’affirme la philosophe Bernadette Bensaude-Vincent , peut être considéré comme une sorte de « chimie douce », travaillant à température et pression ambiantes et impliquant des processus lents de régénération. Les couleurs s’imprègnent profondément dans les fibres textiles des vieux draps de lit recyclés, riches en broderie et en histoire, imprégnant le matériau de la mémoire des lieux.

Loin d’être explicitement discursif — mais visant plutôt à tresser intimement intériorité et extériorité— le travail d’Adrien Vescovi articule un discours primordial. Un discours concernant l’écologie, compris selon les termes d’Isabelle Stengers, comme une manière de déterminer la question de l’habitat, du contexte dans lequel vous entreprenez votre travail, et des habitudes qui circonscrivent vos méthodologies . Son œuvre incarne et redéploye l’influence des cultures méridionales et populaires : leurs mythes, leurs rituels magiques, leurs traditions, leur réalité économique et leur artisanat.

Avec patience et soin, il transforme et recycle d’humbles matériaux en compositions d’une extraordinaire et opulente beauté. Ses textiles occupent audacieusement l’espace, le scindent, l’interrompent et dialoguent avec lui de manière sculpturale et mobile. Ils constituent une invitation animée faite aux corps et aux sens. Souvent traités horizontalement au sol, les textiles, une fois redressés, forment un paysage qui mobilise la plasticité du tissu ainsi que les potentialités de la Toile Libre pour créer une abstraction douce qui modifie notre perception architecturale.

Ses espaces picturaux et ses installations immersives nous absorbent de manière participative. Qu’ils soient physiques, esthétiques, transcendantaux ou même religieux, ils constituent toujours un espace expérientiel. Certaines œuvres sont installées à proximité les unes des autres, tandis que d’autres reposent sur des supports individuels ou sont étendues au sol. Plutôt que des toiles séparées, nous pourrions les considérer comme des couches géologiques ou des sédiments. Mais également comme une sorte d’espace narratif fait de montages qui se développent à partir d’une même grille de découpe. Pour l’artiste, la grille agit à la fois comme motif et comme support. Elle tient lieu de catalyseur processuel, prétexte à la cristallisation des formes et des matériaux engagés.

La recherche développée par Vescovi autour des dimensions spatiales, sensorielles et temporelles des formes s’enracine dans l’inspiration qu’il tire d’artistes ayant redéfini le lien entre peinture, sculpture et performance, à l’instar de Franz Erhard Walther. Mais il entretient tout autant une dette envers les paysages picturaux d’Etel Adnan et ceux conçus par Roberto Burle Marx. Vescovi s’est rendu en 2018 dans les parcs modernistes du Brésil, composés de formes, de couleurs et de spécimens indigènes à forte charge sensuelle.


L’artiste a ensuite commencé à dessiner des formes avec du textile, comme dans la série « Land » (de 2019 jusqu’à aujourd’hui), où des couches de territoires sont représentées non seulement par l’intermédiaire d’une palette de couleurs terreuses créées en employant des pigments minéraux, mais aussi par différentes strates textiles soigneusement coupées. Les œuvres de Vescovi donnent sens à la potentialité constructive et déconstructive de la toile et insuffle la vie à des paysages tactiles conçus comme des dispositifs mnémotechniques.

Silvia Franceschini, 2022
Traduction d’Emilie Notéris

1 - Le titre de cette série est également celui de son exposition qui s’est tenue au Centre d’Art du Grand Café de Saint-Nazaire en 2021.
2 - Entretien d’Adrien Vescovi avec Bernadette Bensaude-Vincent, Fondation Thalie, 11 février 2022.
3 - Isabelle Stengers, « Introductory notes of an ecology of practices », Cultural Studies Review 11, n°1, 2005.

Adrien Vescovi vit et travaille à Marseille depuis 2017 après une longue pratique installée dans les montagnes de Haute-Savoie. L’artiste réinvestit avec des enjeux contemporains la question de la toile libre et d’une peinture pensée à une échelle architecturale et naturelle. L’importance du contexte dans lequel l’artiste vient installer ses oeuvres est pour lui un facteur d’étude incontournable. Adrien compose des temporalités, assemble des couleurs travaillées selon différents processus alchimique, à partir de l’air (rayons du soleil et de la lune), la terre (ocres et végétaux) et le feu (cuissons, infusions). Sa manière de coudre est une façon de peindre. Le hasard est son allié.

Né en 1981 et diplômé de l’École supérieure d’art de l’agglomération d’Annecy, son travail a été présenté aux Pays-Bas, en Belgique, au Danemark, au Mexique. Cette année son travail sera visible à Madrid pour une exposition personnelle à la Galerie Albarran Bourdais, mais aussi au Casino du Luxembourg, à la librairie Yvon Lambert ou encore dans les rues de Gand en Belgique pour un projet avec 019. Il présente aussi actuellement une importante installation visible au SMAK de Gand pour l’exposition collective “Spendid Isolation”. En 2021, il participe au 22 eme prix de la Fondation Pernod Ricard avec le projet Bonaventure signé par Lilou Vidal. Son travail a aussi bénéficié d’une première exposition personnelle en centre d’art contemporain Le Grand Café de Saint Nazaire. En 2020, malgré la crise sanitaire, une importante installation a été montré lors de l’exposition “Sur pierres brûlantes” avec Triangle France – Astérides à la Friche Belle de Mai à Marseille lors de Manifesta 13, première version du projet Soleil Blanc, c’est un récit qu’il développe depuis d’exposition en exposition. En 2019 son travail a été présenté à la Galerie des Ponchettes avec le MAMAC de Nice, à la Villa Noailles pour le Festival international de la mode et accessoire ainsi qu’au Palais de Tokyo pour l’exposition “Futur, ancien, fugitif”, à la Vieille Charité à Marseille et au Musée Régional d’Art Contemporain Occitanie à Sérignan. Ses oeuvres sont notamment dans les collections du Centre National des Arts Plastiques, du Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain de Nice, du Musée des Beaux-Arts de Nantes, du Frac Provence Alpes Côtes d’Azur et du Fond Communal d’Art Contemporain de la ville de Marseille.

Silvia Franceschini est une curatrice et critique d’art dans le champ des arts visuels, du design et de l’architecture. Elle est actuellement curatrice au CIVA à Bruxelles, qui déménagera prochainement dans les locaux de Kanal Pompidou. Entre 2018 et 2021, elle a été commissaire d’exposition à Z33 - Maison d’art contemporain à Hasselt (Belgique), où elle a notamment organisé les expositions “Le Déracinement”, “On Diasporic Imaginations” et Lives of Forms” (Kamrooz Aram, Iman Issa).

Parmi ses projets curatoriaux, citons le programme de recherche ” The politics of Affinity. Experiments in Art, Education and the Social Sphere, Cittadellarte-Fondazione Pistolleto, Biella (2016-2018) ; la participation à l’équipe curatoriale de The School of Kyiv - Kyiv Biennal 2015 ; the exhibition, symposium, and educational program Global Tools 1973 — 1975: Towards an Ecology of Design, SALT, Istanbul (2014) ; l’exposition “The Way of Enthusiasts”, V-A-C Foundation, 2012. Depuis 2009, elle participe à l’organisation d’exposition dans diverses institutions dont la Biennale de Moscou pour l’art jeune, Futura, Center for Contemporary Art à Prague et le Centre Pompidou à Paris.

Elle est l’autrice de “The Politics of Affinity. Experiments in Art, Education and Social Sphere, Cittadelarte-Fondazione Pistoletto, Biella, 2018 et co-auteur de Global Tools 1973-1975? When Education coincides with life, Nero Publishing, 2019. Sa publication à venir “Curator without a system. Viktor Misiano : Selected Writing” sera publié plus tard cette année par Sternberg Press. Elle fait également partie des éditeurs de la plateforme de recherche Hostile Environnement(s) - Designing Hostility, Bulding Refugia.

Silvia Franceschini est titulaire d’un doctorat en design et culture visuelle de l’université polytechnique de Milan. Elle a été chargée de recherche à l’Exhibition Research Lab de la Liverpool John Moores University et au Strelka Institute for Media, Architecture and Design.