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Adrien Vescovi

by Silvia Franceschini

Adrien Vescovi

par Sylvia Franceschini

Solar Poetics
On Adrien Vescovi’s Ecology of Practice

The sun, which since antiquity has played an essential role in our utopian imaginations, is the ultimate source of energy, one that transcends geographical boundaries and is capable of healing the human condition and our environment.
Adrien Vescovi locates his interest for the sun in solidarity with nature, treated neither as a master nor as a slave, but as a material. With his work he foregrounds an epistemology of the sun and of the south through an ecology of processes, materials and forms.
The sun is the fundamental component in his body of works entitled “Soleil Blanc” (2021), in reference to the glare of light on snow. Alluding to the main color of the sun, which is “white”, the canvases and installations part of “Soleil Blanc” unfold the many chromatic possibilities expressed by light and encourage the viewer to look beyond the hegemonically imposed “white” purity of our environment to appreciate the many shades of white, as well as the traces of obsolescence created by natural agents throughout the passage of time.
These works are the result of a long process of experimentation that was developed by Vescovi while he was living in the Alpine region of Haute Savoie (2015-2017), when the artist started to use atmospheric elements and vegetal components as the main agents in his work. Vescovi gathered wild flowers and plants which he put to work, through decoction baths, on monumental textiles of recycled cotton and linen. He then hung his canvases up outside his atelier to imprint them with atmospheric agents – rain, snow, the rays of the sun and moon, and the wind – before sewing them together.
The various different solar radiations of UV A and B, particularly strong in the upper Alps yet invisible to the human eye, become palpable on the canvases, making evident the immersive and active role of light and the natural environment. The artist shares authorship of the work with the natural elements while accompanying the textile in its state of transformation. Nature is not something external to the canvas nor a subject matter to be passively depicted – playing instead an active part in the process.
Time is another fundamental agent in Adrien Vescovi’s ecology of practice. The artist invites time to act on his canvases in the manner of acid biting into an etched plate. The inscription of time onto the fabric materializes in traces on the fiber and in the painting. By doing so he inscribes the work in the time of nature, paying attention to multiple notions of time.

In the works produced after his move to Marseille, the technique shifts from vegetal to mineral pigments: ochers and earths extracted from the ground in the Vaucluse, Roussillon or Burgundy, not to mention from Italy, Cyprus and Morocco, impregnate the textile with a Mediterranean savor. Vescovi infuses his textiles with the geological notion of time dyeing each section with pigments collected from different locations, each standing for a lyrical, geological layer.

The textile becomes like a cyanotype absorbing the landscape and the earth in its fibers. This process approaches that of the photographic medium as a recording device. At the opposite pole of being “site specific”, the work carries within it the specificity of the place where it was created. Through a form of “atmospheric” painting, the canvases absorb the context around them. In this sense, Vescovi’s art, although abstract, is nevertheless exceedingly representational.

The memory of the light is probably the first thing you encounter on waking up from a period of amnesia. Awakening from a state of coma after an accident he had in 2012 constituted an important starting point in the artist’s development and his interest in the materiality of memory. Through his work the imprint of memories of the landscape, climatic memories and tales of the anthropocene intertwine, posing questions on our material and environmental heritage.
The dyeing technique he uses to “paint” on canvases is an ancestral one wherein a substance is placed into a pot of water and heated to extract the dye compounds into a solution with the water. Vescovi collects the water, heats it and then cools it in a long steeping process that generates an unpredictable color palette. Then the textiles to be dyed are added to the pot, and held at a simmer until the desired color is achieved. The water is then often reused to produce new works.

While the textile industry generates one-fifth of the world’s industrial water pollution through the use of chemicals, the work of Vescovi, as the philosopher Bernadette Bensaude-Vincent argues, can be seen as a kind of“soft chemistry”, working at ambient temperature and pressure, and involving slow and regenerative processes. The colors soak deep into the textile fibers of old recycled bed sheets rich in embroidery and history, inking the material with the memory of places.

Away from being explicitly discursive – but rather aiming to play with intimacy in a subtle interplay of interiority and exteriority – the work of Adrien Vescovi affirms a highly important discourse. A discourse concerning ecology, understood according to Isabelle Stengers, as a way to determine the question of habitat, the context in which you undertake your labor, and the habits that circumscribe your methodologies . His oeuvre embodies and redeploys the influence of Southern and popular cultures: their myths, magical rituals, traditions, economic reality, and their craftsmanship.

Through patience and care, he transforms and recycles humble materials into opulent compositions of extraordinary beauty. His textiles boldly occupy space, bisect it, interrupt and engage in dialogue with it in a way that is pivotal, sculptural, and an animated invitation to the body and the senses. Often produced horizontally on the floor, when the textiles are elevated they form a landscape that uses all the plasticity of fabric and the possibilities of the Toile Libre to create a soft abstraction that changes our perception of the architecture.

His pictorial spaces and immersive installations absorb us as participants. They can be physical, aesthetic, transcendental or even religious, and they are always a space of experience. Some works are installed in close proximity to one another, while others stand on individual supports or lie stretched out on the floor. Rather than as individual canvases, we might think of them as layers or sediments. But also as a sort of narrative space and montages that develop starting from the cutting grid. For the artist the grid acts both as a motif and as a support. It becomes a catalyst for the unfolding of various processes, a pretext for the crystallization of committed forms and materials.

Vescovi’s investigation into the spatial, sensorial, and temporal dimensions of forms is rooted in the inspiration he draws from artists that have redefined the connection between painting, sculpture and performance such as Franz Erhard Walther. But there is also an indebtedness to the pictorial landscapes of Etel Adnan and to those designed by Roberto Burle Marx, whose modernist parks in Brazil, composed of sensuous shapes, colors, and indigenous specimens, were paid a visit by Vescovi in 2018.

After this moment the artist started to draw shapes with textile, like in the series “Land” (2019, ongoing), where layers of lands are represented not only through an earthy color palette created by mineral pigments but also through different stratas of textile carefully cotoured. Vescovi’s works make sense of the constructive and deconstructive possibility and of the canvas and give life to tactile landscape conceived as mnemonic devices.

Silvia Franceschini, 2022

  1. The title of this series of works was also the title of an exhibition held at the Grand-Café, Centre d’Art Contemporain de Saint-Nazaire, 2021.
  2. Adrien Vescovi in conversation with Bernadette Bensaude-Vincent, Thalie Foundation, February 11th 2022.
  3. Isabelle Stengers, Introductory notes of an ecology of practices, Cultural Studies Review 11, no.1, 2005

POÉTIQUE SOLAIRE
Écologie de la pratique dans l’œuvre d’Adrien Vescovi

Le soleil joue depuis l’AntiquitĂ© un rĂ´le essentiel dans nos imaginaires utopiques, il est la source d’Ă©nergie ultime, celle qui transcende les frontières gĂ©ographiques, capable de guĂ©rir notre condition humaine autant que notre environnement.

L’intérêt d’Adrien Vescovi pour le soleil se nourrit d’un dialogue resserré avec la nature, puisqu’il se refuse à la traiter dans une relation maître/esclave et l’envisage davantage comme matériau. Son travail dessine une épistémologie du soleil et du sud, activée par une écologie des processus, des matériaux et des formes.

Le soleil est la composante fondamentale de son ensemble d’Ĺ“uvres « Soleil Blanc  Â» (2021), nommĂ©e ainsi en rĂ©fĂ©rence Ă  l’Ă©blouissement provoquĂ© par la rĂ©verbĂ©ration de la lumière sur la neige. En rĂ©fĂ©rence directe Ă  la couleur principale constituante du soleil, Ă  savoir le « blanc Â», les toiles et les installations qui appartiennent Ă  « Soleil Blanc Â» dĂ©voilent les nombreuses potentialitĂ©s chromatiques exprimĂ©es par la lumière, encourageant le spectateur ou la spectatrice Ă  regarder au-delĂ  de la puretĂ© « blanche Â» imposĂ©e de manière hĂ©gĂ©monique dans notre environnement, afin d’apprĂ©cier les nombreuses nuances de blanc, ainsi que les traces d’obsolescence laissĂ©es par l’action des agents naturels du temps.

Ces Ĺ“uvres sont le rĂ©sultat d’un long processus d’expĂ©rimentation initiĂ© par Vescovi alors qu’il vivait dans la rĂ©gion alpine de Haute Savoie (entre 2015 et 2017). Moment oĂą l’artiste a commencĂ© Ă  employer des Ă©lĂ©ments atmosphĂ©riques et des composants vĂ©gĂ©taux comme agents principaux de son travail. Vescovi a cueilli des fleurs et des plantes sauvages qu’il a fait macĂ©rer dans des bains de dĂ©coction, imbibant d’imposants textiles de coton et de lin recyclĂ©s. Il a ensuite suspendu ses toiles Ă  l’extĂ©rieur de son atelier pour qu’ils s’imprègnent des agents atmosphĂ©riques — pluie, neige, rayons du soleil et de la lune, vent— avant de les rassembler.

Les diffĂ©rentes radiations solaires UV A et B, particulièrement puissantes dans les Hautes-Alpes mais invisibles Ă  l’Ĺ“il nu, sont rendues palpables sur les toiles, mettant en Ă©vidence le rĂ´le immersif et actif de la lumière autant que de l’environnement naturel. L’artiste partage la paternitĂ© de l’Ĺ“uvre avec les Ă©lĂ©ments naturels tout en accompagnant le textile dans son Ă©tat transitoire. La nature n’est pas quelque chose d’extĂ©rieur Ă  la toile ni un sujet qu’il s’agirait de dĂ©peindre de manière passive — elle joue au contraire un rĂ´le actif dans le processus.

Le temps est un autre agent fondamental dans l’Ă©cologie de la pratique d’Adrien Vescovi. L’artiste invite le temps Ă  agir sur ses toiles Ă  la manière de l’acide qui mord une plaque gravĂ©e. L’inscription du temps sur le tissu se matĂ©rialise par des traces laissĂ©es dans la fibre et dans la peinture. Ce faisant, il inscrit l’Ĺ“uvre dans le temps de la nature, prĂŞtant attention aux multiples acceptions temporelles.

Dans les Ĺ“uvres rĂ©alisĂ©es après son installation Ă  Marseille, la technique employĂ©e passe des pigments vĂ©gĂ©taux aux pigments minĂ©raux : ocre et terres recueillies sur le sol du Vaucluse, du Roussillon ou de la Bourgogne, sans oublier l’Italie, Chypre et le Maroc, pĂ©nètrent le textile d’une teinte mĂ©diterranĂ©enne. Vescovi imprègne ses textiles de gĂ©ologie temporelle en teignant chaque section avec des pigments collectĂ©s dans diffĂ©rents endroits, chacun reprĂ©sentant une couche simultanĂ©ment lyrique et gĂ©ologique.

Le textile s’apparente Ă  un cyanotype absorbant le paysage et la terre entre ses fibres. Ce processus se rapproche de celui du support photographique comme dispositif d’enregistrement. Ă€ l’opposĂ© de la notion de « site spĂ©cifique Â», l’Ĺ“uvre porte en elle la spĂ©cificitĂ© du lieu oĂą elle a Ă©tĂ© crĂ©Ă©e. Cette forme picturale « atmosphĂ©rique Â» autorise les toiles Ă  absorber leur contexte environnemental. En ce sens, l’art de Vescovi, bien qu’abstrait, s’avère nĂ©anmoins hautement reprĂ©sentatif.

Le souvenir de la lumière est probablement la première chose que l’on rencontre au rĂ©veil d’une pĂ©riode d’amnĂ©sie. Le rĂ©veil d’un Ă©tat comatique, après un accident subit en 2012, a constituĂ© un point de dĂ©part majeur dans le dĂ©veloppement de l’Ĺ“uvre de l’artiste et Ă  marquĂ© son intĂ©rĂŞt pour la matĂ©rialitĂ© mĂ©morielle. Ă€ travers son travail, l’empreinte des souvenirs du paysage, les mĂ©moires climatiques et les rĂ©cits de l’anthropocène s’entremĂŞlent, soulevant des questions qui portent sur notre hĂ©ritage matĂ©riel et environnemental.

La technique de teinture qu’il emploie pour « peindre Â» sur ses toiles est ancestrale. Une substance est dĂ©posĂ©e dans une casserole d’eau chauffĂ©e afin d’extraire les composĂ©s de la teinture dans une solution diluĂ©e Ă  l’eau. Vescovi recueille l’eau, la chauffe puis la refroidit au cours d’un processus long de trempage qui gĂ©nère une palette de couleurs imprĂ©visible. Les textiles Ă  teindre sont ensuite placĂ©s dans la marmite et maintenus Ă  feu doux jusqu’Ă  obtention de la couleur souhaitĂ©e. L’eau est le plus souvent rĂ©utilisĂ©e afin de produire de nouvelles Ĺ“uvres.

Alors que l’industrie textile gĂ©nère un cinquième de la pollution industrielle mondiale par l’emploi de produits chimiques, le travail de Vescovi, comme l’affirme la philosophe Bernadette Bensaude-Vincent , peut ĂŞtre considĂ©rĂ© comme une sorte de « chimie douce Â», travaillant Ă  tempĂ©rature et pression ambiantes et impliquant des processus lents de rĂ©gĂ©nĂ©ration. Les couleurs s’imprègnent profondĂ©ment dans les fibres textiles des vieux draps de lit recyclĂ©s, riches en broderie et en histoire, imprĂ©gnant le matĂ©riau de la mĂ©moire des lieux.

Loin d’ĂŞtre explicitement discursif — mais visant plutĂ´t Ă  tresser intimement intĂ©rioritĂ© et extĂ©riorité— le travail d’Adrien Vescovi articule un discours primordial. Un discours concernant l’Ă©cologie, compris selon les termes d’Isabelle Stengers, comme une manière de dĂ©terminer la question de l’habitat, du contexte dans lequel vous entreprenez votre travail, et des habitudes qui circonscrivent vos mĂ©thodologies . Son Ĺ“uvre incarne et redĂ©ploye l’influence des cultures mĂ©ridionales et populaires : leurs mythes, leurs rituels magiques, leurs traditions, leur rĂ©alitĂ© Ă©conomique et leur artisanat.

Avec patience et soin, il transforme et recycle d’humbles matĂ©riaux en compositions d’une extraordinaire et opulente beautĂ©. Ses textiles occupent audacieusement l’espace, le scindent, l’interrompent et dialoguent avec lui de manière sculpturale et mobile. Ils constituent une invitation animĂ©e faite aux corps et aux sens. Souvent traitĂ©s horizontalement au sol, les textiles, une fois redressĂ©s, forment un paysage qui mobilise la plasticitĂ© du tissu ainsi que les potentialitĂ©s de la Toile Libre pour crĂ©er une abstraction douce qui modifie notre perception architecturale.

Ses espaces picturaux et ses installations immersives nous absorbent de manière participative. Qu’ils soient physiques, esthĂ©tiques, transcendantaux ou mĂŞme religieux, ils constituent toujours un espace expĂ©rientiel. Certaines Ĺ“uvres sont installĂ©es Ă  proximitĂ© les unes des autres, tandis que d’autres reposent sur des supports individuels ou sont Ă©tendues au sol. PlutĂ´t que des toiles sĂ©parĂ©es, nous pourrions les considĂ©rer comme des couches gĂ©ologiques ou des sĂ©diments. Mais Ă©galement comme une sorte d’espace narratif fait de montages qui se dĂ©veloppent Ă  partir d’une mĂŞme grille de dĂ©coupe. Pour l’artiste, la grille agit Ă  la fois comme motif et comme support. Elle tient lieu de catalyseur processuel, prĂ©texte Ă  la cristallisation des formes et des matĂ©riaux engagĂ©s.

La recherche dĂ©veloppĂ©e par Vescovi autour des dimensions spatiales, sensorielles et temporelles des formes s’enracine dans l’inspiration qu’il tire d’artistes ayant redĂ©fini le lien entre peinture, sculpture et performance, Ă  l’instar de Franz Erhard Walther. Mais il entretient tout autant une dette envers les paysages picturaux d’Etel Adnan et ceux conçus par Roberto Burle Marx. Vescovi s’est rendu en 2018 dans les parcs modernistes du BrĂ©sil, composĂ©s de formes, de couleurs et de spĂ©cimens indigènes Ă  forte charge sensuelle.


L’artiste a ensuite commencĂ© Ă  dessiner des formes avec du textile, comme dans la sĂ©rie « Land Â» (de 2019 jusqu’à aujourd’hui), oĂą des couches de territoires sont reprĂ©sentĂ©es non seulement par l’intermĂ©diaire d’une palette de couleurs terreuses crĂ©Ă©es en employant des pigments minĂ©raux, mais aussi par diffĂ©rentes strates textiles soigneusement coupĂ©es. Les Ĺ“uvres de Vescovi donnent sens Ă  la potentialitĂ© constructive et dĂ©constructive de la toile et insuffle la vie Ă  des paysages tactiles conçus comme des dispositifs mnĂ©motechniques.

Silvia Franceschini, 2022
Traduction d’Emilie NotĂ©ris

1 - Le titre de cette série est également celui de son exposition qui s’est tenue au Centre d’Art du Grand Café de Saint-Nazaire en 2021.
2 - Entretien d’Adrien Vescovi avec Bernadette Bensaude-Vincent, Fondation Thalie, 11 février 2022.
3 - Isabelle Stengers, « Introductory notes of an ecology of practices Â», Cultural Studies Review 11, n°1, 2005.

Adrien Vescovi, vue de l’exposition Soleil Blanc, Le Grand-CafĂ©, Saint-Nazaire, photo : Marc Domage, 2021

Adrien Vescovi, vue de l’exposition Soleil Blanc, Le Grand-CafĂ©, Saint-Nazaire, photo : Marc Domage, 2021

Adrien Vescovi
Adrien Vescovi

Adrien Vescovi lives and works in Marseille since 2017 after a long practice installed in the mountains of Haute-Savoie. The artist reinvests with contemporary issues the question of the fee canvas and a painting thought at an architectural and natural scale. The importance of the context in which the artist comes to install his works is for him an essential factor of study. Adrien composes temporalities, assembles colors worked according to different alchemical processes, from air (sun nad moon rays), earth (ochres and plants) and fire (cooking, infusions). His way of sewing is a way of painting. Chance is his ally.

Born in 1981 and gratuades from École SupĂ©rieure d’art de l’agglomĂ©ration d’Annecy, his work has been presented in the Netherlands, Belgium, Denmark and Mexico. This year his work will be shown in Madrid for a solo exhibition at the Albaran Bourdais Gallery, but also the Casino du Luxembourg, at the Yvon Lambert bookstore or in the steets if Ghent in Belgium for a project with O19. In 2021, he participates in the 22nd prize of the Pernod Ricard Foundation with the project Bonaventure qigned by Lilou Vidal. His work has also benefited from a first solo exhibition in the contemporary art center Le Grand CafĂ© in Saint-Nazaire. In 2020, despite the health crisis, an important installation was shown at the exhibition “Sur pierres brĂ»lantes” with Triangle-France - AstĂ©rides at the Friche Belle de Mai in MArseille during Manifesta 13, the first version of Soleil Blanc project, a narrative he has been developping since then from exhibition to exhibition. In 2019 his work was presented at the galerie des Ponchettes with the MAMAC in Nice, at the Villa Noailles for the International Fashion and Accessories Festival as well as at the Palais de Tokyo for the exohibition “Future, Old, Fugitive”, at the Vieille CharitĂ© in Marseille and at the MusĂ©e RĂ©gional d’Art Contemporain Occitanie in SĂ©rignan. His works are notably in the collections of the Centre National des Arts Plastiquesn the MusĂ©e d’Art Moderne et d’Art Contemporain de Nice, the MusĂ©e des Beaux-Arts de Nantes, the Frac Provence Alpes CĂ´tes d’Azur and the Fond Communal d’Art Contemporain de la ville de Marseille.

Adrien Vescovi vit et travaille Ă  Marseille depuis 2017 après une longue pratique installĂ©e dans les montagnes de Haute-Savoie. L’artiste rĂ©investit avec des enjeux contemporains la question de la toile libre et d’une peinture pensĂ©e Ă  une Ă©chelle architecturale et naturelle. L’importance du contexte dans lequel l’artiste vient installer ses oeuvres est pour lui un facteur d’Ă©tude incontournable. Adrien compose des temporalitĂ©s, assemble des couleurs travaillĂ©es selon diffĂ©rents processus alchimique, Ă  partir de l’air (rayons du soleil et de la lune), la terre (ocres et vĂ©gĂ©taux) et le feu (cuissons, infusions). Sa manière de coudre est une façon de peindre. Le hasard est son alliĂ©.

NĂ© en 1981 et diplĂ´mĂ© de l’École supĂ©rieure d’art de l’agglomĂ©ration d’Annecy, son travail a Ă©tĂ© prĂ©sentĂ© aux Pays-Bas, en Belgique, au Danemark, au Mexique. Cette annĂ©e son travail sera visible Ă  Madrid pour une exposition personnelle Ă  la Galerie Albarran Bourdais, mais aussi au Casino du Luxembourg, Ă  la librairie Yvon Lambert ou encore dans les rues de Gand en Belgique pour un projet avec 019. Il prĂ©sente aussi actuellement une importante installation visible au SMAK de Gand pour l’exposition collective “Spendid Isolation”. En 2021, il participe au 22 eme prix de la Fondation Pernod Ricard avec le projet Bonaventure signĂ© par Lilou Vidal. Son travail a aussi bĂ©nĂ©ficiĂ© d’une première exposition personnelle en centre d’art contemporain Le Grand CafĂ© de Saint Nazaire. En 2020, malgrĂ© la crise sanitaire, une importante installation a Ă©tĂ© montrĂ© lors de l’exposition “Sur pierres brĂ»lantes” avec Triangle France – AstĂ©rides Ă  la Friche Belle de Mai Ă  Marseille lors de Manifesta 13, première version du projet Soleil Blanc, c’est un rĂ©cit qu’il dĂ©veloppe depuis d’exposition en exposition. En 2019 son travail a Ă©tĂ© prĂ©sentĂ© Ă  la Galerie des Ponchettes avec le MAMAC de Nice, Ă  la Villa Noailles pour le Festival international de la mode et accessoire ainsi qu’au Palais de Tokyo pour l’exposition “Futur, ancien, fugitif”, Ă  la Vieille CharitĂ© Ă  Marseille et au MusĂ©e RĂ©gional d’Art Contemporain Occitanie Ă  SĂ©rignan. Ses oeuvres sont notamment dans les collections du Centre National des Arts Plastiques, du MusĂ©e d’Art Moderne et d’Art Contemporain de Nice, du MusĂ©e des Beaux-Arts de Nantes, du Frac Provence Alpes CĂ´tes d’Azur et du Fond Communal d’Art Contemporain de la ville de Marseille.

Silvia Franceschini
Sylvia Franceschini

Silvia Franceschini is a curator and writer working across the fields of visual arts, design, and architecture. She is currently curator of the Contemporary at CIVA in Brussels which will soon move to Kanal Pompidou. Between 2018 and 2021 she held a position of curator at Z33 — House for Contemporary Art, Hasselt, Belgium where (among others) she curated the exhibitions Le Déracinement. On Diasporic Imaginations and Lives of Forms (Kamrooz Aram, Iman Issa).

Her selected curatorial projects include: the research program The Politics of Affinity. Experiments in Art, Education and the Social Sphere, Cittadellarte-Fondazione Pistoletto, Biella (2016–18); the participation on the curatorial team of The School of Kyiv — Kyiv Biennial 2015; the exhibition, symposium, and educational program Global Tools 1973 — 1975: Towards an Ecology of Design, SALT, Istanbul (2014); the exhibition The Way of Enthusiasts, V-A-C Foundation, 2012. Since 2009 she has been involved in the organization of exhibitions in various institutions including The Moscow Biennale for Young Art; Futura — Center for Contemporary Art, Prague; and the Centre Pompidou, Paris.

She is an editor of The Politics of Affinity. Experiments in Art, Education and the Social Sphere, Cittadellarte – Fondazione Pistoletto, 2018, and a co-author of Global Tools 1973–1975. When Education Coincides With Life, Nero Publishing, 2019. Her forthcoming publication Curator Without a System. Viktor Misiano, Selected Writings will be published later this year by Sternberg Press. She is among the editors of the research platform Hostile Environment(s) - Designing Hostility, Building Refugia.

Silvia Franceschini holds a PhD in Design and Visual Culture from the Polytechnic University of Milan. She was a research fellow at the Exhibition Research Lab of the Liverpool John Moores University and at the Strelka Institute for Media, Architecture and Design.

Silvia Franceschini est une curatrice et critique d’art dans le champ des arts visuels, du design et de l’architecture. Elle est actuellement curatrice au CIVA Ă  Bruxelles, qui dĂ©mĂ©nagera prochainement dans les locaux de Kanal Pompidou. Entre 2018 et 2021, elle a Ă©tĂ© commissaire d’exposition Ă  Z33 - Maison d’art contemporain Ă  Hasselt (Belgique), oĂą elle a notamment organisĂ© les expositions “Le DĂ©racinement”, “On Diasporic Imaginations” et Lives of Forms” (Kamrooz Aram, Iman Issa).

Parmi ses projets curatoriaux, citons le programme de recherche ” The politics of Affinity. Experiments in Art, Education and the Social Sphere, Cittadellarte-Fondazione Pistolleto, Biella (2016-2018) ; la participation Ă  l’Ă©quipe curatoriale de The School of Kyiv - Kyiv Biennal 2015 ; the exhibition, symposium, and educational program Global Tools 1973 — 1975: Towards an Ecology of Design, SALT, Istanbul (2014) ; l’exposition “The Way of Enthusiasts”, V-A-C Foundation, 2012. Depuis 2009, elle participe Ă  l’organisation d’exposition dans diverses institutions dont la Biennale de Moscou pour l’art jeune, Futura, Center for Contemporary Art Ă  Prague et le Centre Pompidou Ă  Paris.

Elle est l’autrice de “The Politics of Affinity. Experiments in Art, Education and Social Sphere, Cittadelarte-Fondazione Pistoletto, Biella, 2018 et co-auteur de Global Tools 1973-1975? When Education coincides with life, Nero Publishing, 2019. Sa publication Ă  venir “Curator without a system. Viktor Misiano : Selected Writing” sera publiĂ© plus tard cette annĂ©e par Sternberg Press. Elle fait Ă©galement partie des Ă©diteurs de la plateforme de recherche Hostile Environnement(s) - Designing Hostility, Bulding Refugia.

Silvia Franceschini est titulaire d’un doctorat en design et culture visuelle de l’universitĂ© polytechnique de Milan. Elle a Ă©tĂ© chargĂ©e de recherche Ă  l’Exhibition Research Lab de la Liverpool John Moores University et au Strelka Institute for Media, Architecture and Design.

In the ongoing work Performing White Skin, begun in 2019, masks endow their wearers with the near-magical privilege of soliloquy in an indictment of the hubris of whiteness.   a group of 27  hand-carved wooden polychrome masks inspired by the masking traditions of Mexican carnivals and religious festivals as well as African rituals, and the fate of these ritual objects in European collections. The project also invokes the terracotta busts of Honoré Daumier’s Célébrités du Juste Milieu, caricatures of July monarchy politicians, bankers, and aristocrats. The masks operate as sculptures and as objects activated in performances and videos.

Mauricio Limon de LeĂłn, Sylvie Fortin