Benoßt Piéron

by Eliel Jones

BenoĂźt Pieron

par Eliel Jones

“A place to practice time” – On the work of BenoĂźt PiĂ©ron

For his entire life, BenoĂźt PiĂ©ron has been an artist in various stages of waiting. Accustomed since he was born to spending time in hospital beds receiving numerous medical treatments, he professes to having no mother tongue and having developed instead “a phenomenological way of speaking through pain”. Over fifteen years he made artworks without a clear direction or sense of what he was doing. It was in a moment of not doing, - a situation once more forced onto his body, this time as an adult by the debilitating effects of a cancer in his kidney - that PiĂ©ron turned to making the kind of artworks that we’re more familiar with today. Sitting around a table at home, and at times accompanied by the help of friend, he started sewing and patchworking as a way of passing the days of intense recovery.

It was precisely in this place of practicing time that PiĂ©ron found himself considering how he could more closely merge his experiences of lifelong illness with an almost survival-like instinct to create. If previously, in pieces such us La Cabane (2007), PiĂ©ron had begun to explore questions of homemaking through enclosures for safety and cocooning, structures of support now started to emerge more explicitly in the form of constructions that were built to facilitate various living situations. Indeed, these assemblages appear purposefully designed as literal support structures that can hold a body and provide it with some of its most basic needs. They simultaneously go beyond mere functional value, tapping into the mind’s ability to day-dream in order to transport the body outside of the physical confines of its environment.

A residency in one of the ateliers of the fashion giant HermÚs gave Piéron the opportunity to explore the making of one of these first structures. Le Lit (2011) is a bed featuring a beautiful crimson-red tent made out of luscious silk fabric, four bedposts constructed out of thread-spools piled on top of each other, as well as bunting and colorful lightbulbs finishing it off on top. Le Lit is also fitted with a myriad of useful accoutrements: a metal irrigation system for secreting fluids easily; cups and saucers for tea; a plate; a toaster; an anal doush; as well as friendly and delicate birds to provide company. At the feet of the bed, the tent opens up to the exterior, revealing layers of fabric and intimate clothing that create a sort of hole or entry. In this threshold between inside and out, a window emerges. Through it, the laying body can look out and see anyone outside while equally welcoming the possibility of someone else looking back in.

The glaring absence of the crip body in many public spaces has become a central question that PiĂ©ron has ongoingly explored in his practice. In subsequent artworks, the artist has been repurposing used bedsheets from hospital beds to create new objects that facilitate intimacy, proximity and sensuality towards the crip body. Patchworking the pastel-colored fabrics into covers for cushions, new blankets, flags, soft-toys, and used as upholstery for chairs and medical screens, PiĂ©ron reclaims and makes visible the washed stains of blood, piss, saliva and other bodily fluids present in these materials. In this process of regeneration – of bringing new life to what would otherwise be discarded or considered unfit for purpose -, the artist introduces the crip body into the clinical space of the gallery, finding ways that they can be there when they cannot. However, PiĂ©ron’s artworks importantly dodge their co-option as being simply representational. Instead, by suggesting different user-experiences in these environments, he call us to consider what would make galleries and museums more generously suited to the physical, emotional and neurodivergent needs of its audiences.

Most recently, this desire to transform gallery spaces has translated into ambitious new immersive works. At Chisenhale Gallery in London, PiĂ©ron’s Slumber Party (2023) welcomed us into a beyond life-sized tent. Also made up of repurposed hospital fabrics, the textile canopy re-created the experience of being covered by a bedsheet when sitting, standing or laying on a bed. Partly held by the oversized leg of a table, and propped with an equally large pin cushion, the structure instilled the feeling of being inside a fantastical place. Once more, the artist’s process of regeneration extends into the gallery, transforming its white walls, concrete floors and cold interior into a magical den. Alluding to dreams, play and imagination as things that helped him survive extensive periods of illness in hospital, PiĂ©ron also helps us visualize and experience what art spaces might do for us when they allow us to meaningfully enter them and change them in return.

That same year, shifting from the materials of the hospital to the site of the hospital itself, at mumok in Vienna Piéron constructed a waiting room. Monstera Deliciosa comprised chairs, tables and snow globes filled with personified illnesses, Monique the bat (a recurring friend to the artist) and nail art, amongst other travelling companions for which the stillness of time and the confine of space does not preclude the possibility of movement. These objects were spread across the room, which was covered with a soothing cloud sky visible over our heads. A yellow cleaning bucket was also inconspicuously present in the space as the solution for a leak emanating from the ceiling. The slow but constant falling of the water recalled a body tied to an IV drip, instead flowing to and from a physical space. Piéron here takes care of the metaphorical and literal leaks of the institution, facilitating another reckoning with the bodies that are often not seen or heard in these spaces, and yet whose absence he asks us to contemplate and feel.

By strangering our familiarity with the act of waiting, PiĂ©ron skillfully manages to shift our perception of time away from being a means of arriving, achieving or capturing, to becoming instead a material; something that we might stay with and pay generous attention to. Through the making of artworks, the artist taps into time in order to open up his world to others, seeking to create connections with the experiences and affects of the crip body rather than words or images that might represent them. Despite the highly specific nature of his experience, PiĂ©ron doesn’t claim any form of universality over pain, nor does he require it of us in order to engage with his works. Instead, he approaches us with an open invitation to sit, wait, listen, and consider what it means to be in a place to practice time.

Eliel Jones
February 2024

« Un lieu oĂč pratiquer le temps Â» – RĂ©flexions sur l’Ɠuvre de BenoĂźt PiĂ©ron

Depuis toujours, BenoĂźt PiĂ©ron est un artiste qui expĂ©rimente divers stades de l’attente. HabituĂ©, depuis sa naissance, Ă  passer du temps dans des lits d’hĂŽpitaux pour recevoir de nombreux traitements mĂ©dicaux, il affirme ne pas avoir de langue maternelle et avoir dĂ©veloppĂ©, au contraire, « un mode phĂ©nomĂ©nologique qui consiste Ă  s’exprimer Ă  travers la douleur Â». Pendant plus de quinze ans, il a crĂ©Ă© des Ɠuvres sans avoir d’orientation prĂ©cise ni d’idĂ©e claire de son travail. C’est dans un moment d’inaction – une situation que son corps s’est de nouveau vu imposer, Ă  l’ñge adulte cette fois, en raison des effets dĂ©bilitants d’un cancer du rein –, que BenoĂźt PiĂ©ron en est venu Ă  crĂ©er le genre d’Ɠuvres pour lesquelles il est aujourd’hui principalement connu. Assis chez lui Ă  une table, parfois accompagnĂ© d’un ami qui l’aidait, il a commencĂ© Ă  coudre et Ă  rĂ©aliser des patchworks pour passer le temps pendant ses journĂ©es d’intense convalescence.

C’est prĂ©cisĂ©ment dans ce lieu vouĂ© Ă  « la pratique du temps Â» que BenoĂźt PiĂ©ron a Ă©tĂ© amenĂ© Ă  rĂ©flĂ©chir Ă  la maniĂšre dont il pourrait faire fusionner plus Ă©troitement son expĂ©rience continue de la maladie avec une pulsion crĂ©atrice qui ressemble beaucoup Ă  un instinct de survie. Si auparavant, dans des Ɠuvres telles que La Cabane (2007), BenoĂźt PiĂ©ron avait commencĂ© Ă  explorer des questions liĂ©es Ă  l’espace domestique par la crĂ©ation d’environnements protecteurs agissant comme un cocon, des supports destinĂ©s Ă  recueillir les corps ont commencĂ© Ă  Ă©merger plus explicitement dans son travail sous la forme de constructions destinĂ©es Ă  faciliter diverses situations de vie. En effet, ces assemblages semblent avoir Ă©tĂ© dĂ©libĂ©rĂ©ment conçus comme des structures d’accompagnement au sens propre, susceptibles de contenir un corps et de lui fournir certains de ses besoins les plus Ă©lĂ©mentaires. En mĂȘme temps, ils vont au-delĂ  de leur simple utilitĂ© fonctionnelle en exploitant l’aptitude de l’esprit Ă  la rĂȘverie afin de pouvoir transporter le corps en dehors des limites physiques de son environnement.

Un programme de rĂ©sidence dans l’un des ateliers du gĂ©ant du luxe HermĂšs a offert Ă  BenoĂźt PiĂ©ron l’occasion de crĂ©er l’une de ces premiĂšres structures. Le Lit(2011) est une installation composĂ©e d’une magnifique tente rouge cramoisi fabriquĂ©e dans un somptueux tissu en soie et de quatre colonnes de lit en bois construites avec des bobines de fil empilĂ©es les unes sur les autres, le tout surmontĂ© de fanions et de guirlandes lumineuses multicolores. Ce lit est Ă©galement Ă©quipĂ© d’une panoplie d’accessoires utilitaires : une gouttiĂšre en mĂ©tal pour Ă©vacuer facilement les fluides ; des tasses et des soucoupes pour prendre le thĂ© ; une assiette ; un grille-pain ; une poire Ă  lavement ; et des oiseaux Ă  la silhouette dĂ©licate offrant leur bienveillante compagnie. Au pied du lit, la tente s’ouvre sur l’extĂ©rieur, rĂ©vĂ©lant des couches de tissu et une sorte d’orifice ou de point d’entrĂ©e crĂ©Ă© par un agencement de sous-vĂȘtements. Dans ce seuil entre l’intĂ©rieur et l’extĂ©rieur, une fenĂȘtre Ă©merge. À travers elle, le corps allongĂ© peut regarder dehors et voir ceux qui sont Ă  l’extĂ©rieur, tout en acquiesçant Ă  la possibilitĂ© que quelqu’un puisse jeter un coup d’Ɠil Ă  l’intĂ©rieur.

L’absence flagrante du corps invalidĂ© dans de nombreux espaces publics est devenue pour BenoĂźt PiĂ©ron une question centrale qu’il ne cesse d’explorer dans sa pratique artistique. Dans ses crĂ©ations ultĂ©rieures, l’artiste a recyclĂ© des draps usagĂ©s provenant de lits d’hĂŽpitaux pour crĂ©er de nouveaux objets qui encouragent l’intimitĂ©, la proximitĂ© et des manifestations de sensualitĂ© envers le corps invalidĂ©. En crĂ©ant des patchworks avec ces draps couleur pastel pour en faire des housses de coussins, de nouvelles couvertures, des drapeaux ou des peluches et en les utilisant comme tissu d’ameublement pour des fauteuils et des paravents mĂ©dicaux, BenoĂźt PiĂ©ron se rĂ©approprie, en les rendant visibles, les taches de sang, d’urine, de salive et d’autres fluides corporels restĂ©es sur le tissu malgrĂ© le nettoyage. Dans ce processus de rĂ©gĂ©nĂ©ration qui consiste Ă  donner une nouvelle vie Ă  ce qui aurait autrement Ă©tĂ© jetĂ© ou considĂ©rĂ© comme inutilisable, l’artiste introduit le corps invalidĂ© dans l’espace clinique de la galerie, en trouvant des moyens de le faire entrer lĂ  oĂč il n’est habituellement pas le bienvenu. Cependant, les crĂ©ations de BenoĂźt PiĂ©ron Ă©vitent, et c’est lĂ  un point important, d’ĂȘtre assimilĂ©es Ă  de simples reprĂ©sentations figuratives. Au contraire, en suggĂ©rant que diffĂ©rents types de visiteurs peuvent faire des expĂ©riences diffĂ©rentes dans ces environnements, il nous invite Ă  rĂ©flĂ©chir Ă  ce qui rendrait les galeries et les musĂ©es plus gĂ©nĂ©reusement adaptĂ©s Ă  la neurodiversitĂ© ainsi qu’aux besoins physiques et Ă©motionnels de leur public.

Plus rĂ©cemment, ce dĂ©sir de transformer l’espace de la galerie s’est traduit par de nouvelles Ɠuvres immersives ambitieuses. À la Chisenhale Gallery de Londres, l’installation Slumber Party (2023) accueillait les visiteurs sous une tente plus grande que nature. Également composĂ©e de tissus rĂ©formĂ©s des hĂŽpitaux, cette canopĂ©e en tissu recrĂ©ait l’expĂ©rience qui consiste Ă  ĂȘtre couvert par un drap lorsqu’on est assis, debout ou allongĂ© sur un lit. En partie maintenue par un pied de table surdimensionnĂ© et soutenue par un coussin Ă  Ă©pingles tout aussi dĂ©mesurĂ©, cette construction donnait l’impression de se trouver Ă  l’intĂ©rieur d’un lieu irrĂ©el. Une fois de plus, le processus de rĂ©gĂ©nĂ©ration vĂ©cu par l’artiste s’étend ici Ă  la galerie, transformant ses murs blancs, ses sols en bĂ©ton et la froideur de cet espace en une taniĂšre magique. En faisant allusion aux rĂȘves, aux jeux et Ă  l’imaginaire qui l’ont aidĂ© Ă  survivre Ă  de longues pĂ©riodes de maladie passĂ©es Ă  l’hĂŽpital, BenoĂźt PiĂ©ron nous aide Ă©galement Ă  visualiser et Ă  expĂ©rimenter ce en quoi les espaces dĂ©diĂ©s Ă  l’art peuvent rĂ©ellement nous ĂȘtre utiles lorsqu’ils nous permettent d’y accĂ©der vĂ©ritablement et de les transformer en retour.

La mĂȘme annĂ©e, passant des matĂ©riaux propres Ă  l’hĂŽpital au site hospitalier lui-mĂȘme, BenoĂźt PiĂ©ron a construit une salle d’attente au mumok de Vienne. L’installation, intitulĂ©e Monstera Deliciosa, se composait de chaises, de tables et de boules Ă  neige remplies de diffĂ©rentes incarnations de la maladie, de clins d’Ɠil Ă  Monique la chauve-souris (une compagne rĂ©currente de l’artiste) et de rĂ©fĂ©rences au nail art, entre autres compagnons de voyage pour lesquels l’immobilitĂ© du temps et le confinement de l’espace n’excluent pas la possibilitĂ© du mouvement. Ces objets Ă©taient dissĂ©minĂ©s dans la piĂšce, recouverte d’un « ciel Â» apaisant traversĂ© de nuages, visible au-dessus de nos tĂȘtes. Un seau de nettoyage jaune Ă©tait Ă©galement discrĂštement prĂ©sent dans l’espace, comme pour supplĂ©er aux effets d’une fuite coulant du plafond. L’eau gouttant lentement et imperturbablement Ă©voquait un corps reliĂ© Ă  une perfusion, au lieu de s’écouler vers et depuis un espace physique. BenoĂźt PiĂ©ron s’intĂ©resse ici aux fuites mĂ©taphoriques et littĂ©rales de l’institution musĂ©ale, facilitant une autre prise en compte des corps qui ne sont gĂ©nĂ©ralement ni vus ni entendus dans ces espaces, et dont il nous demande pourtant de contempler et de ressentir l’absence.
En Ă©branlant la familiaritĂ© que nous entretenons avec l’attente, BenoĂźt PiĂ©ron parvient habilement Ă  modifier notre perception du temps, qui n’est plus un moyen d’arriver quelque part, d’atteindre ou de saisir quelque chose, mais devient plutĂŽt un matĂ©riau ; une chose avec laquelle nous pouvons rester et Ă  laquelle nous pouvons prĂȘter une attention gĂ©nĂ©reuse. À travers le processus qui l’amĂšne Ă  crĂ©er des Ɠuvres, l’artiste puise dans la matiĂšre mĂȘme du temps pour ouvrir son monde aux autres, en cherchant Ă  crĂ©er des liens avec les expĂ©riences et les affects du corps invalidĂ© plutĂŽt qu’avec les mots ou les images qui pourraient le reprĂ©senter. MalgrĂ© la nature trĂšs spĂ©cifique de son expĂ©rience, BenoĂźt PiĂ©ron ne revendique aucune forme d’universalitĂ© de la douleur, pas plus qu’il ne l’exige de nous pour que nous interagissions avec ses Ɠuvres. Au contraire, il nous invite Ă  nous asseoir, Ă  attendre, Ă  Ă©couter et Ă  rĂ©flĂ©chir Ă  ce que signifie ĂȘtre dans « un lieu oĂč pratiquer le temps Â».

Eliel Jones
FĂ©vrier 2024

Benoßt Pieron, Exhibition view Monstera Deliciosa, October 26th, 2023 - January 7th, 2024, © mumok - Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, photo: Georg Petermichl

Benoßt Pieron, Exhibition view Monstera Deliciosa, October 26th, 2023 - January 7th, 2024, © mumok - Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, photo: Georg Petermichl

Benoßt Piéron
BenoĂźt Pieron

Benoßt Piéron creates moments, installations and objects that explore the sensuality of plants, the limits of the human body and the temporal nature of waiting rooms. His creative path encompasses a variety of practices, including patchwork, existential gardening and wallpaper design.

Suffering from a long-term illness, Benoßt Piéron maintains a close relationship with the hospital ecosystem. He has developed a practice inspired by this environment, seeking to give plasticity to medical conditions. Far from the romantic heroism of the usual metaphors for disability, Piéron places himself in a joyful gray zone. Through his art, he strives to explore these uncharted territories, seeing them not as a burden but as a potential source of creative expression.

Selected exhibitions
Slumber Party, Chisenhale Gallery, London (2023); Der pinkelnde Tod, Kunstverein Bielefeld, Bielefeld (2023); Avant l’Orage, Bourse du Commerce, Pinault Collection, Paris (2023); uMoya: The Sacred Return of Lost Things, Liverpool Biennial, Liverpool (2023); Exposé.es, Palais de Tokyo, Paris (2023); Horizones, Fondation Pernod Ricard, Paris (2022); Bandage, galerie du Haïdouc à l’Antre Peaux, Bourges (2022); Illness Shower, Sultana Summer Set, Galerie Sultana, Arles (2022); Deux drapeaux, Une Belladone, L’alcôve, Paris (2021); VIH/sida, l’épidémie n’est pas finie, Mucem, Marseille (2021); Plaid, Cité internationale des Arts, Paris (2021); Mort is more, Brasserie Atlas, Brussels (2021).

BenoĂźt PiĂ©ron travaille Ă  la crĂ©ation de moments, d’installations et d’objets explorant la sensualitĂ© des plantes, les limites du corps humain et la nature temporelle des salles d’attente. Son parcours crĂ©atif englobe diverses pratiques, dont le patchwork, le jardinage existentiel et la crĂ©ation de papiers peints. Atteint d’une maladie de longue durĂ©e, BenoĂźt PiĂ©ron entretient une relation trĂšs Ă©troite avec l’écosystĂšme hospitalier. Il a dĂ©veloppĂ© une pratique s’inspire de cet environnement et cherche Ă  donner une plasticitĂ© Ă  la maladie. Loin de l’hĂ©roĂŻsme romantique des mĂ©taphores habituelles de la maladie, PiĂ©ron se place dans une joyeuse zone grise. À travers son art, il s’efforce d’explorer ces territoires inexplorĂ©s, les considĂ©rant non pas comme un fardeau mais comme une source potentielle d’expression crĂ©ative.

Expositions sélectionnées
Slumber Party, Chisenhale Gallery, London (2023); Der pinkelnde Tod, Kunstverein Bielefeld, Bielefeld (2023); Avant l’Orage, Bourse du Commerce, Pinault Collection, Paris (2023); uMoya: The Sacred Return of Lost Things, Liverpool Biennial, Liverpool (2023); ExposĂ©.es, Palais de Tokyo, Paris (2023); Horizones, Fondation Pernod Ricard, Paris (2022); Bandage, galerie du HaĂŻdouc Ă  l’Antre Peaux, Bourges (2022); Illness Shower, Sultana Summer Set, Galerie Sultana, Arles (2022); Deux drapeaux, Une Belladone, L’alcĂŽve, Paris (2021); VIH/sida, l’épidĂ©mie n’est pas finie, Mucem, Marseille (2021); Plaid, CitĂ© internationale des Arts, Paris (2021); Mort is more, Brasserie Atlas, Brussels (2021).

Eliel Jones
Eliel Jones

Eliel Jones is the Curator of Performance and Time-based Media at KANAL – Centre Pompidou, a new interdisciplinary museum of modern and contemporary art due to open in Brussels in 2025. His research interests and methodologies stem from intersectional approaches to queer and feminist discourse and are guided by his involvement in direct community action and solidarity. Prior to KANAL he was the Curator of the 2nd Brent Biennial, London’s only biennial taking place in the North West Borough of Brent. He has also held curatorial positions at Metroland Cultures, Cell Project Space and Chisenhale Gallery (all in London), where he worked towards realising multidisciplinary commissions by emerging artists and setting up infrastructures of support for artists and young people. Throughout the Covid-19 pandemic he curated Queer Correspondence, a mail-art initiative that reached nearly 1000 subscribers in 42 countries through monthly letter-sized commissioned projects by artists and writers. Jones has curated other independent projects in the UK and abroad and is a regular writer for various publications. He is currently a faculty member of the Curatorial Studies postgraduate programme at KASK in Gent, a Trustee at PEER, and a Committee Member for the LUX Moving Image Collection.

Eliel Jones est le curateur performance et mĂ©dias de KANAL - Centre Pompidou, un nouveau musĂ©e interdisciplinaire d’art moderne et contemporain qui ouvrira ses portes Ă  Bruxelles en 2025. Ses domaines de recherche et sa dĂ©marche mĂ©thodologique dĂ©coulent d’une approche intersectionnelle des discours queer et fĂ©ministe et se fondent sur son engagement dans l’action communautaire directe et solidaire. Avant de rejoindre KANAL, il a Ă©tĂ© le curateur de la seconde Ă©dition de la Brent Biennial, unique biennale organisĂ©e dans le borough londonien de Brent, dans le nord-ouest de la ville. Il a Ă©galement occupĂ© des postes de curateur associĂ© pour diverses associations culturelles et galeries londoniennes, comme le Metroland Cultures, le Cell Project Space et la Chisenhale Gallery, oĂč il a travaillĂ© Ă  la mise en Ɠuvre de commandes multidisciplinaires adressĂ©es Ă  des artistes Ă©mergents et Ă  la mise en place d’infrastructures de soutien pour les artistes et les jeunes. Pendant la pandĂ©mie de Covid-19, il a pilotĂ© le projet Queer Correspondence, une initiative d’art postal qui a touchĂ© prĂšs de 1 000 abonnĂ©s dans 42 pays grĂące Ă  des projets mensuels commandĂ©s sous forme de lettres Ă  des artistes et Ă©crivains. Eliel Jones a dirigĂ© d’autres projets indĂ©pendants au Royaume-Uni et Ă  l’étranger et Ă©crit rĂ©guliĂšrement pour diverses publications. Il est actuellement membre du corps enseignant du programme de troisiĂšme cycle d’études curatoriales de la KASK Ă  Gand, l’un des administrateurs de l’espace d’art contemporain PEER Ă  Londres et membre du comitĂ© de la LUX Moving Image Collection.

JĂ©rĂŽme Robbe drives the liquid aspect of painting to the forefront and makes it the essence of the work. He lets the paint flow freely and creates an image that contains an immense temporality.

JĂ©rĂŽme Robbe, Nanda Janssen