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Éléonore False

by Catalina Lozano

Éléonore False

par Catalina Lozano

Nature of images / “Nature” of images

Catalina Lozano

Modernity has sought to organise the world into categories and according to fixed principles that gave the illusion of a certain coherent order, most of the time structured around a series of binary oppositions. To classify gave appeasing reassurances of the possibility to organise everyone and everything within a system that aspired to trickle down to the tiniest of details, and to unveil and observe the intricacies of all that was knowable, graspable, gobbleable without consequence. As we now know, modernity did get indigested by means of its own methodologies of extraction and consumption. In the meantime, over centuries, many suspicions, manifesting in many different forms and places, about the eventual unviability of this universalist enterprise have emerged from the fringes of modernity and been often suppressed or silenced with different degrees of violence.

Eléonore False’s work seems to me to be part of a genealogy of suspicion in which the technology of collage has played an important, yet non-prescribed role, as a means to exercise a critical faculty that doesn’t attach itself to the demands of historicity, but rather seeks to create a present of perception in which the categories of classification are suspended in favour of a haptic observation, an embodied gaze. Cut-outs of organic and inorganic textures and patterns, hand gestures, a multitude of objects and fragments are classified in transparent folders in Eléonore’s studio, they meet each other following a logic that has nothing to do with authoritative pretensions, but rather to summon a new space made of old things. In a recent monographic publication of her work (Ensembles, 2024) we’re afforded the possibility of seeing 1:1 reproductions of some of these folders and a sense of how this methodology produces difference.

Eléonore often transfers images into bigger scales by different means―enlarged photocopies, textiles, wallpapers…―, giving them a presence in space that relates sensually to the human body. In Eléonore’s practice changes of scale call for big leaps in perception while operations such as folding, curving, leaning produce a spatial, three dimensional experience of this collaging tactic which can be said to continue functioning in her sculptural work where found objects are decontextualised and deactivated in order to find a new function granted by their texture and material qualities, that is to say, their agency is acknowledged from a different perspective. For instance, in It Rained and I Got Wet(2019), 86 coconut-bristle brooms turned upside down without their sticks become the territory inhabited by glass objects hand made to emulate the growth of mushrooms. This incongruous distancing from function ends up producing a coherent ensemble whose logic cannot be fully enunciated.

Eléonore is attentive to what Anni Albers called “the stuff the world is made of”. Such a generalist affirmation risks indulging in nothingness, but it actually vibrates with the rhythms of things in their materiality and their potential for transformation and transfiguration. In tune with this genealogy of makers, Eléonore’s practice is highly analogue and based on very muscular processes. I would say that this is true even for her textiles made in digital looms because the ancient technology of warp and weft remains unchanged as Albers herself noted. While Albers was referring to the raw materials that, in her case, allowed for experimentations in pattern composition and textile making, in the case of False, this interest in stuff—”the stuff”— has to do with materiality, but also with images. That is to say, that something that happens at the surface, and because of the sense of continuity a surface provides, allows something to emerge that demands a new exercise of perception birthed by strangeness.

It is as if in Eléonore’s practice, form emerges from the need to question the mechanisms of perception that have been modelled by modernity’s capture of our imagination. The British neuroscientist Anil Seth’s research has led him to assert that our perception is a series of controlled hallucinations, that is that we don’t only perceive the world, but we also generate it and that when we socially agree in what we hallucinate about, we call that reality. When experiencing Eléonore’s work, it seems often as though there is a slight hallucination, a play of references that rebel against our agreed controlled hallucinations and that ask us to reconsider what we are seeing, to be part of a different milieu, to disown, at list momentarily, our agreed realities. It is the plasticity of surfaces that we can hallucinate images differently. Her work, rather than dissecting reality, strives to make something appear, something that did not exist before, but that is made of existing “stuff” and thereby it creates a sense of estrangement that can only exist because of the commonness of its raw material.

These appropriated “ready-made” images, by her interventions, stop representing something fixed, in the same measure, she bears witness to absence. By cutting and superposing she points at the politics of representation where subjects are captured while the apparatuses and networks that produce these captures remain unseen.

La matière des images / “La matĂ©rialitĂ©” des images

La modernité s’est efforcée d’organiser le monde en catégories, selon des principes établis pouvant donner l’illusion d’un certain ordre cohérent, la plupart du temps structuré autour d’une série d’oppositions binaires. Cet effort d’organisation offrait la perspective rassurante de pouvoir classifier n’importe quel individu et n’importe quelle chose dans un système qui aspirait à s’infiltrer dans les moindres détails, à dévoiler et à observer les subtilités de tout ce qui était connaissable, saisissable et assimilable sans que l’on ait à se soucier des conséquences. Comme nous le savons aujourd’hui, la modernité s’est dissoute dans ses propres méthodologies d’extraction et de consommation. Entre-temps, au fil des siècles, de nombreux doutes, se manifestant sous des formes et dans des lieux différents, quant à l’éventuelle non-viabilité de cette entreprise universaliste ont émergé sur les franges de la modernité tout en étant souvent réprimés ou réduits au silence avec plus ou moins de violence.

Les crĂ©ations d’ÉlĂ©onore False me semblent ainsi s’inscrire dans une gĂ©nĂ©alogie du doute oĂą la technique du collage joue un rĂ´le essentiel – bien qu’il n’ait aucun caractère obligatoire –, comme moyen d’exercer un sens critique qui ne s’attache pas aux exigences de l’historicitĂ© mais cherche plutĂ´t Ă  crĂ©er une immĂ©diatetĂ© de la perception dans laquelle les catĂ©gories propres Ă  la classification sont abandonnĂ©es au profit d’une observation haptique, d’un regard incarnĂ©. DĂ©coupages de textures et de motifs organiques et inorganiques, manipulations : une multitude de matĂ©riaux et de fragments sont classĂ©s dans des pochettes transparentes dans l’atelier d’ÉlĂ©onore, oĂą ils entrent en collision selon une logique qui ne cherche pas Ă  affirmer quoi que ce soit, mais essaie plutĂ´t de faire surgir un nouvel espace Ă  partir de choses existantes. Une rĂ©cente publication monographique de son travail (Ensembles, 2024) nous offre la possibilitĂ© de voir des reproductions grandeur nature de certaines de ces pochettes et de nous faire une idĂ©e de la manière dont cette mĂ©thodologie est susceptible d’ouvrir de nouvelles perspectives.

L’une des techniques de prĂ©dilection d’ÉlĂ©onore est de transposer des images Ă  une Ă©chelle plus vaste en employant diffĂ©rents supports – images scannĂ©es puis agrandies, textiles, papiers peints… Ces transpositions leur donnent une prĂ©sence dans l’espace qui se rapporte sensuellement au corps humain. Dans la pratique crĂ©ative d’ÉlĂ©onore, les changements d’échelle provoquent des glissements de perception tandis que les activitĂ©s qui consistent Ă  plier, inflĂ©chir ou dĂ©former permettent d’expĂ©rimenter dans l’espace, en trois dimensions, cette mĂ©thode de collage qui se prolonge d’une certaine manière dans son travail sculptural, oĂą les objets trouvĂ©s sont dĂ©contextualisĂ©s et dĂ©barrassĂ©s de leur fonction initiale pour se voir attribuer un nouvel usage en fonction de leur texture et de leurs qualitĂ©s matĂ©rielles, ce qui revient Ă  dire que leur « rayon d’action Â» est perçu selon une perspective diffĂ©rente. Par exemple, dans It Rained and I Got Wet (2019), 86 brosses de balai en fibre de coco renversĂ©es sur leur support en bois deviennent le rĂ©ceptacle d’objets en verre soufflĂ© dont la forme Ă©voque des champignons qui auraient poussĂ© dessus. Cette distanciation incongrue de la forme par rapport Ă  sa fonction finit par produire un ensemble cohĂ©rent dont la logique ne peut ĂŞtre pleinement formulĂ©e.

ÉlĂ©onore est attentive Ă  ce qu’Anni Albers appelait « la matière dont est fait le monde Â». Si ce type d’affirmation gĂ©nĂ©rique s’expose Ă  une certaine vacuitĂ©, il s’accorde en rĂ©alitĂ© au rythme des choses du fait de leur matĂ©rialitĂ© et de leur potentiel de transformation et de transfiguration. En phase avec cette gĂ©nĂ©alogie d’artisans-crĂ©ateurs Ă  laquelle appartient Anni Albers, la pratique d’ÉlĂ©onore prend une forme très similaire, basĂ©e sur des processus d’une grande puissance crĂ©ative. Cela s’applique Ă©galement, selon moi, aux Ĺ“uvres textiles qu’elle fabrique sur des mĂ©tiers Ă  tisser numĂ©riques, car l’ancienne technique de tissage chaĂ®ne et trame reste alors inchangĂ©e, comme l’a observĂ© elle-mĂŞme Anni Albers. Alors que cette dernière faisait rĂ©fĂ©rence aux matĂ©riaux bruts qui, dans son cas, permettaient d’expĂ©rimenter la composition de motifs et la fabrication de tissus, dans le cas d’ÉlĂ©onore, cet intĂ©rĂŞt pour les choses est liĂ© Ă  leur matĂ©rialitĂ© (« la matière dont est fait le monde Â»), mais aussi Ă  l’inspiration qu’elle puise dans les images. Pour le dire autrement : ce qui se produit Ă  la surface permet, grâce au sentiment de continuitĂ© qu’offre cette surface, Ă  « quelque chose Â» d’émerger qui nĂ©cessite, du fait de son Ă©trangetĂ©, une nouvelle approche de la perception.

Tout se passe comme si, dans la pratique d’ÉlĂ©onore, la forme affleurait de la nĂ©cessitĂ© de questionner les mĂ©canismes de perception qui ont Ă©tĂ© façonnĂ©s Ă  partir de la captation de notre imaginaire par la modernitĂ©. Les recherches du neuroscientifique britannique Anil Seth l’ont conduit Ă  affirmer que notre perception repose sur une suite d’hallucinations contrĂ´lĂ©es, ce qui signifie que nous ne percevons pas seulement le monde, mais que nous le construisons tout autant et que, lorsque nous nous entendons collectivement sur ce que nous hallucinons, nous considĂ©rons qu’il s’agit de la rĂ©alitĂ©. Lorsqu’on se trouve confrontĂ© aux crĂ©ations d’ÉlĂ©onore, on a souvent l’impression qu’elles reposent sur une lĂ©gère hallucination, un jeu de rĂ©fĂ©rences qui se rebelle contre le caractère stĂ©rĂ©otypĂ© de nos hallucinations contrĂ´lĂ©es et qui exige de nous que nous reconsidĂ©rions ce que nous voyons – que nous nous inscrivions dans un contexte diffĂ©rent qui nous amène Ă  renoncer, ne serait-ce que momentanĂ©ment, Ă  nos rĂ©alitĂ©s prĂ©conçues. C’est la plasticitĂ© des surfaces qui nous permet ainsi d’« halluciner Â» les images diffĂ©remment. Les crĂ©ations d’ÉlĂ©onore, au lieu de dissĂ©quer la rĂ©alitĂ©, s’efforcent de faire apparaĂ®tre quelque chose qui n’existait pas avant, mais qui est fait de choses qui existent dĂ©jĂ . Cela crĂ©e un sentiment d’étrangetĂ© qui ne peut exister qu’en raison mĂŞme du caractère banal de ces objets qui constituent la matière première de son travail.

Par ses interventions, cette appropriation d’images existantes cesse de reprĂ©senter quelque chose de fixe. Dans le mĂŞme temps, elle rend compte d’une absence. En dĂ©coupant et en superposant ces images, ÉlĂ©onore pointe du doigt la politique de la reprĂ©sentation qui veut que les sujets soient « capturĂ©s Â» alors que les appareils et les rĂ©seaux qui facilitent cette prĂ©hension demeurent invisibles.

*Soi derrière soi* #4, 2015, Wall-mounted Inkjet print on paper, 192 x 150 cm, Production La Galerie, centre d’art contemporain de Noisy-le-Sec
CrĂ©dit Photo: Photo : Ana Dittranti 
Éléonore False, ADAGP, 2025

Soi derrière soi #4, 2015, Wall-mounted Inkjet print on paper, 192 x 150 cm, Production La Galerie, centre d’art contemporain de Noisy-le-Sec
CrĂ©dit Photo: Photo : Ana Dittranti
Éléonore False, ADAGP, 2025

Éléonore False
Éléonore False

Éléonore False (1987) is a French artist with a Master of Fine Art the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris and Olivier-de-Serres in textile design. The starting point of her practice is collage. She gleans fragments of imagery from a wide range of fields, from the representation of the body, dance and medicine to the plant and animal world, science and the decorative arts. After an initial stage of coexistence and spatialization between these different images taken from second-hand books, these fragments are then put into volume. Enlarged and cut from their original environment, they are set in motion by various processes: printing, collage, ceramics, sculpture and weaving.

ÉlĂ©onore False has had solo exhibitions in France and abroad, including at MRAC Occitanie, Frac ĂŽle-de-France, VNH Gallery and Glassbox Paris, Museo ExpĂ©rimental El Eco in Mexico City, Centre d’art Diagonale, MontrĂ©al, Kunstverein Hannover, Palais des Beaux-Arts in Paris and Frac Sud, Marseille. Her work has been presented in various group shows at institutions such as MAC VAL, IAC, CCC OD, Grand CafĂ©, 40mcube, Les le center d’art des Capucins, Triangle-AstĂ©rides and the Gulbenkian Foundation in Paris. ÉlĂ©onore False has received support for her projects from the DRAC ĂŽle-de-France, CNAP and Fondation des Artistes, and has won the Amis des Beaux-Arts de Paris Grant. She has been a resident at the CitĂ© internationale des arts in Paris, the Synagogue de Delme, Triangle-AstĂ©rides in Marseille, Magnetic Residency, the center CĂ©ramique contemporaine of La Borne and the Nouveau MusĂ©e National of Monaco. Her work is included in public collections such as Frac Sud, ĂŽle-de-France and Grand Large, Lafayette Anticipations, FMAC, MAC VAL, MRAC Occitanie, Beaux-Arts de Paris and MAMC+.

ÉlĂ©onore False (1987) est une artiste française, diplĂ´mĂ©e de l’École Nationale SupĂ©rieure des Beaux-Arts de Paris et de Olivier-de-Serres en design textile. Le point de dĂ©part de sa pratique est le collage. Elle glane des morceaux d’images issus de diffĂ©rents domaines allant de la reprĂ©sentation du corps, de la danse Ă  la mĂ©decine, du monde vĂ©gĂ©tal et animal, des sciences aux arts dĂ©coratifs. Après une première Ă©tape de coexistence et de spatialisation entre ces diffĂ©rentes images extraites de livres d’occasion, ces fragments sont ensuite mis en volume. Agrandis et coupĂ©s de leur environnement originel, ils sont mis en mouvement par diffĂ©rents procĂ©dĂ©s : impression, collage, cĂ©ramique, sculpture et tissage.

Dans le cadre d’expositions personnelles, Éléonore False a exposé son travail en France et à l’étranger, notamment au MRAC Occitanie, au Frac Île-de-France, à la VNH Gallery et à Glassbox Paris, au Museo Expérimental El Eco à Mexico, au Centre d’art Diagonale, Montréal, à la Kunstverein Hannover, au Palais des Beaux-Arts de Paris et au Frac Sud à Marseille. Son travail a été présenté dans différentes expositions collectives au sein d’institutions telles que le MAC VAL, l’IAC, le CCC OD, le Grand Café, 40mcube, Les le centre d’art des Capucins, Triangle-Astérides, à la Fondation Gulbenkian à Paris. Éléonore False a reçu le soutien de la DRAC Île-de-France, du CNAP et de la Fondation des Artistes pour la réalisation de ses projets, et a remporté la bourse des Amis des Beaux-Arts de Paris. Elle a été résidente de la Cité internationale des arts à Paris, de la Synagogue de Delme, de Triangle-Astérides à Marseille, de Magnetic Residency avec Fluxus Art Project, du centre céramique contemporaine de La Borne et du Nouveau Musée National de Monaco. Ses œuvres font partie de collections publiques telles que les Frac Sud, Île-de-France et Grand Large, Lafayette Anticipations, le FMAC, le MAC VAL, le MRAC Occitanie, les Beaux-Arts de Paris, le MAMC+.

Catalina Lozano
Catalina Lozano

Catalina Lozano is the Chief Curator at the Museum of Contemporary Art of the Basque Country, Artium Museoa in Vitoria-Gasteiz. The analyses of colonial narratives as well as the deconstruction of the modern division between nature and culture have acted as departure points for many of her curatorial and editorial projects including the exhibitions Until the Songs Spring (Mexican Pavilion at the 59th Venice Biennial, co-curated with Mauricio Marcin), A Natural History of Ruins (Pivô, São Paulo, 2021), The willow sees the heron’s image upside down (TEA, Tenerife, 2020), Le jour des esprits et notre nuit (CRAC Alsace, Altkirch, 2019, co-curated with Elfi Turpin), Winning by Losing (CentroCentro, Madrid, 2019, and the book Crawling Doubles: Colonial Collecting and Affects (B42, Paris), co-edited with Mathieu K. Abonnenc and Lotte Arndt. In 2018 her book The Cure was published by A.C.A. Public. At Artium Museoa she has curated and co-curated exhibitions of Mariana Castilla Deball, Jutta Koether, Julia Spínola, Carolina Caycedo, Patricia Dauder and Joëlle Tuerlinckx among others. Between 2020 and 2022, she was Director of Programs in Latin America at KADIST and between 2017 and 2019 she was Associate Curator at Museo Jumex in Mexico City where she developed exhibition projects with, among others, Bárbara Wagner & Benjamin de Burca, Fernanda Gomes and Xavier Le Roy and organized the exhibition Could Be (An Arrow).

Catalina Lozano est curatrice en chef du musĂ©e d’art contemporain du Pays basque, Artium Museoa, Ă  Vitoria-Gasteiz. L’analyse des rĂ©cits coloniaux et la dĂ©construction de la division moderne entre nature et culture ont servi de points de dĂ©part Ă  nombre de ses projets curatoriaux et Ă©ditoriaux, notamment les expositions Until the Songs Spring (Pavillon mexicain Ă  la 59e Biennale de Venise, en collaboration avec Mauricio Marcin), A Natural History of Ruins (PivĂ´, SĂŁo Paulo, 2021), The willow sees the heron’s image upside down (TEA, Tenerife, 2020), Le jour des esprits et notre nuit (CRAC Alsace, Altkirch, 2019, co-commissariat avec Elfi Turpin), Winning by Losing (CentroCentro, Madrid, 2019, et le livre Crawling Doubles : Colonial Collecting and Affects (B42, Paris), coĂ©ditĂ© avec Mathieu K. Abonnenc et Lotte Arndt. En 2018, son livre The Cure a Ă©tĂ© publiĂ© par A.C.A. Public. Ă€ Artium Museoa, elle a assurĂ© le commissariat et le co-commissariat d’expositions de Mariana Castilla Deball, Jutta Koether, Julia SpĂ­nola, Carolina Caycedo, Patricia Dauder et JoĂ«lle Tuerlinckx, entre autres. Entre 2020 et 2022, elle a Ă©tĂ© directrice des programmes en AmĂ©rique latine Ă  KADIST et entre 2017 et 2019, elle a Ă©tĂ© conservatrice associĂ©e au Museo Jumex Ă  Mexico oĂą elle a dĂ©veloppĂ© des projets d’exposition avec, entre autres, Bárbara Wagner & Benjamin de Burca, Fernanda Gomes et Xavier Le Roy et a organisĂ© l’exposition Could Be (An Arrow).

Nature is omnipresent in Sacriste’s work: monochrome backgrounds, plants, tinsels and ornaments are intensified by a process of fusion between visual anamnesis and free association of images, typical of psychoanalysis, in order to simultaneously subvert the ideals of classical clarity with unmistakable references to art history: Nicolas Poussin, Caspar David Friedrich, Arnold Böcklin among others. The alliance that is created between senses and intellect, or rather between perception and cognition, appears to be essential because Anne Laure Sacriste believes firmly in a precept according to which an image experienced by the senses is the starting point of a vision that gradually expands and lyrically acquires a shape giving life to poetic forms and metaphors that are always new and vital. Her work implements an impelling ekphrasis seen as «a descriptive discourse that puts the object under the eyes effectively» . It is characterized by enĂ *rgeia, the force of visual representation that is made up of «people,things, moments and places and times and many others things Â», and delicately enriched by suggestions, shapes and colors, all elements that make up the èpos.

Anne Laure Sacriste, Domenico de Chirico