Isabelle Cornaro : Considérer les choses

Une simplicité séduisante se dégage de la première œuvre d’Isabelle Cornaro, Savane autour de Bangui et Le fleuve Utubangui (2003-2009), une série de douze photographies en couleurs qui abordent le passé à travers ses vestiges matériels. Dans chaque image, l’artiste esquisse les grandes lignes d’un paysage en plaçant divers bijoux sur une planche de contreplaqué et en photographiant la composition qui en résulte. Une fine chaîne en or dessine le tracé d’un fleuve tandis que deux montres posées sur le flanc évoquent des montagnes aux crêtes irrégulières ; ou bien deux chaînes et une montre en or sont posées à plat pour représenter la terre, la mer et le ciel tandis qu’un bracelet jonc en or suggère un soleil bas. À chaque fois, les mêmes objets sont reconfigurés dans une composition provisoire, suggérant différents moments ou perspectives.
Par ce geste enfantin de réagencement, Isabelle Cornaro fait surgir une simultanéité dans laquelle les boucles d’oreilles, les bracelets ou les montres restent obstinément eux-mêmes tout en invoquant l’idée d’un paysage. Ils ne peuvent pas être appréhendés séparément, mais oscillent continuellement entre mode narratif et forme pure, évocation et facticité, figuration et approche conceptuelle. Chaque photographie semble aborder ce dilemme de manière inédite, comme si la mémoire était une énigme demandant à être résolue et restituée sans équivoque. Il faut préciser à ce propos que l’artiste a passé son enfance au milieu des paysages de savane de la République centrafricaine, où son père était médecin. Dans cette série, une thématique chargée d’affects est traitée avec un regard froid et non sentimental.
Ces œuvres d’une simplicité trompeuse constituent une sorte de modèle générique qui met en évidence les domaines d’intérêt constants d’Isabelle Cornaro : le rapport entre l’objet et son image et le jeu entre les deux et les trois dimensions ; les variations d’échelle et le rôle de la perception dans la construction du sens ; la relation entre le réel et sa copie ; la fonction dévolue aux systèmes traditionnels de représentation picturale du paysage. Dans une série d’œuvres intitulée Paysages, que l’artiste a commencée en 2008, la profondeur de champ suggérée par les photographies de bijoux fait l’objet d’une extrapolation. Divers socles et objets à différentes échelles sont disposés dans un espace d’exposition afin de reproduire de façon approximative la perspective à un point de fuite que l’on trouve dans de nombreuses peintures de paysages historiques. Le spectateur est invité à reconstruire visuellement cette perspective en se déplaçant à travers la salle. Dans cette série et dans d’autres créations, comme la série Homonymes, commencée en 2010, dans laquelle des objets chinés par l’artiste sont moulés de manière à former un bloc uniforme constitué d’une seule couleur et d’un seul matériau, les choses sont disposées comme des preuves, dans un aplatissement radical du registre de la représentation. Ces œuvres nous interrogent. Qu’est-ce que l’on regarde ? Quelle est la nature du matériau, de la masse, de la surface, de la couleur, de la forme – quelle est la fonction ou la valeur de cet objet ? Chaque élément est soumis à une attention méticuleuse qui récuse toute forme simple d’explication, révélant au contraire plusieurs couches d’interprétation simultanées.
À quel moment le paysage constitue-t-il un simple arrière-plan – une constellation de géologies, de cours d’eau, de champs et de forêts – et à quel moment devient-il plutôt un environnement structurant qui détermine notre place dans le monde ? « Avant d’être un repos pour les sens, le paysage est une œuvre de l’esprit. Son cadre est construit tout autant de strates de mémoire que de strates rocheuses », écrit Simon Schama dans Le Paysage et la mémoire . Mais le paysage n’est pas seulement une question de mémoire et de culture, il a aussi un aspect social, politique et économique. L’approche analytique d’Isabelle Cornaro résiste aux clichés romantiques pour se concentrer sur la représentation stylisée et la signification culturelle du paysage, mais elle laisse également entrevoir d’autres aspects. Sous les collines ondoyantes et les fleuves de la savane, de nombreux types de minéraux précieux sont impitoyablement extraits et vendus. La population locale fournit un dur labeur, tandis que les profits sont accaparés par les puissances occidentales. Les minéraux sont transformés en produits standardisés à usage commercial, tels que les bijoux fabriqués en série et destinés aux marchés occidentaux ciblant les classes moyennes qui apparaissent sur les photographies d’Isabelle Cornaro.
Les scènes ludiques de Savane autour de Bangui comportent une autre dimension, plus personnelle. Les bijoux qu’elles représentent ont appartenu à la mère de l’artiste, disparue prématurément. Ces images tentent de recréer des instantanés de sa mère les portant dans ce même environnement. Les bijoux constituent un inventaire : preuve implacable d’une existence, fixée dans une coupe spatio-temporelle et préservée par la mémoire. Leur réagencement compulsif s’apparente à un rituel qui permet d’invoquer le passé et d’accéder à un contexte que l’artiste n’était pas capable d’appréhender ou même de percevoir à l’époque. Comme le paysage lui-même, l’histoire familiale ne constitue pas seulement un arrière-plan : elle forme la structure qui définit la vie d’un individu.
Près de vingt ans après avoir réalisé cette première série, Isabelle Cornaro est revenue sur ce thème en 2022, dans un nouveau corpus d’œuvres qui renonce au processus de transposition de l’objet vers la photographie pour donner à voir les objets eux-mêmes, bien qu’il s’agisse de reproductions des bijoux originaux. Ces derniers ont été scannés en 3D puis agrandis. Leurs dimensions ont été doublées ou quadruplées de manière à créer des versions sommaires, en bronze poli, des bijoux originaux. Alors qu’une observation au microscope permet de révéler la structure sous l’apparence, dans cet acte de reproduction se produit le phénomène inverse : les objets gardent leur opacité malgré leur agrandissement. Les planches sur lesquelles ils sont disposés offrent cependant quelques informations supplémentaires, puisqu’elles sont identifiées comme étant du « contreplaqué okoumé », un bois dur issu d’un arbre à croissance rapide que l’on trouve au Gabon et qui, conformément à la loi en vigueur, ne peut pas être exporté sous forme de grumes mais uniquement sous forme de placage fabriqué localement, ce qui favorise le développement économique du pays. Des progrès ont été accomplis depuis l’exploitation à outrance des années 1970, époque à laquelle s’est déroulée l’enfance d’Isabelle Cornaro en République centrafricaine.
Des déplacements d’échelle et des effets d’amplification produisant un effet granuleux apparaissent dans plusieurs sculptures, photographies et films d’Isabelle Cornaro : dans le grain du film 16 mm, dans le pigment minéral appliqué à la surface des objets ou la peinture en spray à basse pression utilisée pour réaliser des tableaux qui demeurent confusément inaccessibles, le regard étant incapable de se focaliser sur les minuscules taches de peinture. La profondeur de champ est remise en question et les apparences sont brouillées – soit en recouvrant toutes sortes d’objets n’ayant aucun rapport les uns avec les autres d’une unique couleur qui provoque un effet de saturation, soit en les mettant en scène dans un film, soit en ayant recours à des contrefaçons évidentes comme des serpents en caoutchouc ou des morceaux de corps d’aspect morbide. Les objets qui apparaissent dans les créations d’Isabelle Cornaro sont obstinément irréductibles ; ils semblent briller à travers une brume de mystères non résolus qui dément leur apparence ordinaire. Le sens surgit autre part, grâce à la contingence et à l’interconnexion des choses. Il est soumis aux modalités qui définissent la perception et semble trouver son expression dans la contrainte, où la contrainte elle-même est aussi ce qui fait sens.

Kirsty Bell
Mars 2024

Isabelle Cornaro vit et travaille à Paris, Genève et Amsterdam.

Elle est artiste, commissaire d’exposition et enseignante.
En 2024, son travail fait l’objet d’expositions personnelles au Today Art Museum (Pekin) et à la Fondation Giuliani (Rome). Il a également été présenté au Musée de l’Orangerie (Paris), à la Fondation d’Entreprise Ricard (Paris) et au Ludwig Museum (Koblenz) en 2021, ainsi qu’au Musée National d’Art Moderne - Centre Georges Pompidou (Paris) dans le cadre du Prix Marcel Duchamp 2021.
Ces dernières années, elle a réalisé des expositions personnelles dans de nombreuses institutions publiques et privées internationales telles que la Fondation Hermès (Bruxelles, 2016), la South London Gallery (Londres, 2015), le M-Museum (Louvain, 2014), La><art (Los Angeles, 2014), la Kunsthalle de Berne (2013), le CNAC-Le Magasin (Grenoble, 2012), et le Kunstverein de Düsseldorf (2009). Il a également été présenté dans des expositions de groupe, dont Stories of Almost Everyone (Hammer Museum, Los Angeles, 2018), Une brève histoire du futur (Musée du Louvre, Paris, 2015), Archeo (Highline, NYC, 2014), Beware Wet Paint (ICA, Londres, 2014), One Torino (Palazzo Cavour, Turin, 2013), Decorum (MAMVP, Paris, 2013), Triennale de Paris (Palais de Tokyo, Paris, 2012), Vide-poche (Sculpture Center, NYC, 2011).
En 2023 une nouvelle monographie de son travail, publiée par JRP Editions, a paru.
Elle est représentée par les galeries Balice Hertling à Paris, Francesca Pia à Zurich et Foksal Gallery Foundation à Varsovie. Elle enseigne à l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris depuis 2023, et à la Rijksakademie à Amsterdam, en tant que Regular advisor, depuis 2015.

Kirsty Bell est une autrice qui vit à Berlin. Elle a notamment écrit The Undercurrents. A Story of Berlin (Fitzcarraldo Editions, 2022) et The Artist’s House. From Workplace to Artwork (Sternberg Press, 2013). Rédactrice en chef de frieze de 2011 à 2021, elle a également publié de nombreux articles dans des magazines d’art et des catalogues d’exposition, notamment pour le Whitney Museum of American Art, le Stedelijk Amsterdam et la Tate UK. Elle a également enseigné et donné régulièrement des conférences dans des académies d’art et des institutions telles que la Malmö Art Academy, l’Université des arts appliqués de Vienne et la Rijksakademie d’Amsterdam.