À l’occasion d’une résidence à New York en 2015, l’artiste franco-marocaine Sara Ouhaddou a commencé à créer un alphabet. Au cours de cette période, elle s’est interrogée sur l’histoire de la migration de sa famille et le rapport de celle-ci à la langue écrite. Les parents de Sara Ouhaddou ont quitté Meknès, au Maroc, et se sont installés en France avec leurs enfants sans savoir ni lire, ni écrire. Comment des gens comme eux ont-ils pu arriver à s’en sortir dans un monde où l’écrit a autant d’importance et quels types de savoirs autres que le langage écrit ont-ils pu utiliser pour y parvenir ? L’alphabet créé par Sara Ouhaddou tire son inspiration de son intérêt pour les formes d’écriture non scripturales. Il est constitué d’une combinaison hybride de références à la calligraphie amazighe, arabe et latine, mais aussi de différents symboles, formes et couleurs, voire même de matériaux.

Cet alphabet en perpétuelle évolution apparaît dans l’ensemble de son œuvre et n’est déchiffrable que par elle. Elle l’utilise, par exemple, pour crypter et transcrire par translittération des textes et des poèmes issus de la tradition orale marocaine, comme dans sa série de céramiques émaillées intitulée Partition 1-3 (2023). Le code visuel utilisé dans ses créations permet à l’artiste de déstabiliser les spectateurs : l’alphabet les attire avec des formes familières tout en restant impossible à saisir pleinement. En provoquant délibérément leur inconfort, l’artiste s’interroge sur le phénomène d’exclusion engendré par l’omniprésence des systèmes d’écriture. La prise en compte de cette approche conceptuelle est essentielle pour appréhender la pratique de Sara Ouhaddou dans toute son ampleur.

Une autre de ses œuvres récentes, Je de rôles (2023), est une installation composée de panneaux de laine suspendus qui ont été tissés à la main par des communautés nomades du sud de la Tunisie. Pour cette création, Sara Ouhaddou s’est inspirée de la figure mythique en Afrique du Nord du raggem, un vagabond voyageant de village en village pour recueillir et transmettre des histoires et des savoir-faire. Bien qu’il soit en train de disparaître de la mémoire collective, beaucoup de gens se souviennent encore du raggem comme d’un personnage asexué, parfois considéré comme un savant, un griot, un artisan passé maître dans son art, un conteur, ou tout cela à la fois. Sara Ouhaddou a également trouvé des références à ce personnage dans des documents datant de la période coloniale française. Paradoxalement, ces sources décrivent ce voyageur de façon réductrice, comme un homme chargé d’apprendre aux femmes nomades le tissage et le montage des tentes traditionnelles.

Pour Sara Ouhaddou, la manière dont le raggem est évoqué dans la littérature coloniale est symptomatique de la violence épistémique des temps modernes. Elle est également représentative des effets destructeurs engendrés par le besoin systématique d’archiver les cultures des peuples colonisés. Au contraire, la figure du raggem, tirée de contes relevant de la tradition orale, symbolise le potentiel de liberté et la perméabilité qui résultent de la manière dont les connaissances sont créées et produites. Composée de fils de couleurs qui se déploient jusqu’au sol à partir de ce qui s’apparente à des tissages inachevés, l’installation Je de rôles souligne la nature insaisissable du raggem et suggère des possibilités de réactiver des chaînes de transmissions perdues.

Les méthodes et techniques de fabrication de l’artiste reflètent ces intentions. Prenons, par exemple, Sin Ithran, Ur Mqadan, Rousn / Deux astres, au déséquilibre, se brûlent (2020), l’une de ses créations les plus emblématiques. Réminiscence des fenêtres colorées des madrassas (écoles coraniques) de Fès, au Maroc, l’installation se compose de deux grands vitraux circulaires suspendus sur lesquels est reproduit l’alphabet singulier de Sara Ouhaddou. Pour cette œuvre sculpturale, l’artiste a fait appel à une personne désireuse de (ré)apprendre l’art du vitrail, une technique ayant quasiment disparue au Maroc. Tout au long de l’élaboration de cette œuvre, le processus d’apprentissage de sa collaboratrice a guidé la forme finale de l’objet. Ce type de collaboration n’est pas seulement lié à la réalisation de cette œuvre particulière : il se situe au cœur même de la pratique de Sara Ouhaddou. De fait, ses créations sont presque toujours déterminées par le parcours collaboratif que l’artiste entreprend avec les artisans qui participent à leur fabrication.
Sara Ouhaddou a développé une approche de la création artistique basée sur le processus, qui s’appuie sur un réseau de fabricants ayant des compétences dans divers artisanats traditionnels marocains tels que la céramique, la teinture, la broderie ou le tissage. Avec eux, l’artiste discute des savoir-faire et des techniques qu’ils souhaitent apprendre ou perfectionner. Ces conversations définissent et donnent forme à chacun de ses projets. Les commandes qui s’ensuivent vont donc au-delà de la simple transaction financière pour créer à la place des espaces d’apprentissage expérimentaux.

Sara Ouhaddou suit cette méthode depuis plus de dix ans et l’ensemble de ses créations reflète à la fois les fluctuations et la régularité de ces échanges avec d’autres. Ainsi, elle utilise fréquemment le vitrail comme matériau, comme en témoignent des créations telles que Al Kalima (2022) ou An-Noor (2023). Sa prochaine exposition au Musée d’art contemporain africain Al Maaden (MACAAL) de Marrakech vise à rendre cet aspect de sa pratique encore plus manifeste. Pour la première fois, elle a conçu ses créations comme des structures de présentation et a invité ses collaborateurs à les peupler de leurs propres objets. Intitulée « Display » (« Vitrine »), cette exposition inaugurée à l’automne 2024 met en avant une pratique artistique fluide et collaborative qui s’oppose au principe de la notion d’auteur envisagée sous l’angle d’un individu particulier.

Sara Ouhaddou est une artiste qui vit entre la France et le Maroc. Née en France, d’une famille Marocaine, la double culture de Sara Ouhaddou façonne sa pratique artistique comme un langage continue. Sa pratique artistique aborde les défis rencontrés par les artisan.e.s marocain.e.s. Elle questionne le rôle de l’art comme outil de développement économique, social et culturel, tout particulièrement dans le monde arabe. En nous faisant partager ses interrogations sur les transformations de son héritage, elle met en tension les arts traditionnels marocains et les codes de l’art contemporain afin de mettre en perspective les réalités culturelles oubliées.

Elle a participé aux expositions suivantes : Islamic Art festival, Sharjah (2017-2018) Crafts Becomes Mordern, Bauhaus Dessau Fondation, Allemagne (2017) ; Marrakech Biennale, Morocco, (2016) and also held an exhibition of her work at the Moulin d’Art Contemporain Toulon, France (2015); Gaite Lyrique Tanger-Tanger, Paris (2014); and Marrakech Institut Français (2014. Parmi les prix qu’elle a reçu : Arab Fund for Art and Culture (2014) ; et Un Pourcent Art Contemporain NYC, Projet Little Syria (2017). Elle a été résidente à : IASPIS Stockholm (2021/2022), Art Explora x La cité Internationale des Arts (2021) and La cité Internationale des Arts x Daniel and Nina Carasso (2020/2021), Appartement 22, Rabat, Maroc (2017) ; Culturunner, New-York (2016); Edge Of Arabia ISCP, New-York (2015); et Trankat, Maroc (2014). Elle est représentée par la Galerie Polaris, Paris.

Beya Othmani est une commissaire d’exposition Tuniso-Algérienne et porte un intérêt pour les projets qui favorisent l’intersection entre la recherche et les arts. Ses recherches récentes ont porté sur l’histoire des expositions, la construction des discours émancipateurs et des identités raciales dans l’art en Afrique coloniale et postcoloniale. Elle travaille actuellement au Museum of Modern Art (MoMA), à New York dans le département C-MAP (Perspectives sur l’art Contemporain-Moderne) Afrique.

Outre la recherche, elle est également impliquée dans divers projets curatoriaux. Parmi ses récents projets récents, citons la 35e Biennale des arts graphiques de Ljubljana et Publishing Practices #2 à Archive Berlin. Elle est également actuellement co-commissaire d’une série d’expositions en 2024 pour la Ford Foundation Gallery à New York.

Auparavant, elle était membre de l’espace d’art à Berlin, SAVVY Contemporary, et a participé au commissariat de divers projets avec sonsbeek20→24 (2020), le Forum Expanded de la Berlinale (2019), ou la Dak’Art 13 Biennale(2018), entre autres.