There You Are, There You Are
Corentin Canesson is a painter who rarely works in isolation, in his studio. Rather, collaboration is key to his process, and his commitment to collectively produced work is fueled by a genuine interest in the generative exchanges that occur in these contexts. Over the last decade, he has built an expansive practice that has flourished through myriad projects, residencies, and exhibitions that benefit from the conversations and participatory works made with artists from his community in Bretagne and in Paris, and with our shared endeavor at the Visual Arts Center this spring, in Austin, Texas.
Over the last five years, Canesson has presented his work and that of his frequent collaborators in traditional gallery contexts such as Le CrĂ©dac in d’Ivry and the Fondation Pernod Ricard amongst others as well as nontraditional sites, including the Jeanne Hachette shopping mall in the d’Ivry neighborhood in Paris. There, in the spring of 2021, Canesson and Damien Le DĂ©vĂ©dec (an ongoing collaborator) participated in a residency and durational exhibition organized by Le CrĂ©dac and curated by MaĂ«la Bescond called Art, Fleur, et Nature/You Can Have it All. Through this residency program facilitated by Le CrĂ©dac, artists were given access to temporarily vacant storefronts and other spaces throughout the community for a defined period of time. Canesson was given the space of a former floral shop in the shopping mall, and over the course of four months, he and Le DĂ©vĂ©dec produced over one hundred paintings, filling the walls and floors, and utilizing the empty risers and pedestals previously employed as supports for floral displays as plinths to show their painted canvases. Canesson’s typical text-based paintings populated by layers of colorful brushwork and phrases culled from obscure and popular music and poetry were interspersed with those containing erotic subject matter, nudes, still-lifes, landscapes, and portraits of other collaborators, friends, and colleagues (such as Etienne Bernard, director of the Frac Bretagne). This panoply of works, spanning genres and styles, demonstrated both the versatility and flexibility of Canesson’s practice while mirroring the abundance and variety of florals one would generally find in a floral boutique. In this case, peonies, tulips, and roses were replaced by brightly colored canvases in a range of styles and sizes. The “goods” that would customarily be for sale in a flower shop were replaced by another set of “goods.” However, at the close of the exhibition, Le DĂ©vĂ©dec and Canesson organized a giveaway, a free for all, subverting the commodification of these “goods.” All of the paintings produced during the residency were given to whomever attended the closing festivities. Thereby, Art, Fleur, et Nature/You can Have it All lived up to its name — you could have it all.
In Sleep Spaces / Les Espaces du Sommeil at the Visual Arts Center (spring 2022), Canesson incorporated posters from Art, Fleur, et Nature/You Can Have it All alongside those made for other exhibitions and performances by his experimental band, TNHCH, as a form of citation and to demonstrate continuity with previous projects. Canesson almost always includes several works from his own oeuvre alongside personal possessions and the works of other artists he admires in his exhibitions, and this has become a signature feature of his practice as both an artist and curator. In Sleep Spaces this extended from the gallery walls to the archival cases that held a selection of Canesson’s personal effects — a childhood diary, drawings by his daughter, postcards, Shirley Jaffe’s paintbrush, a straw hat from Texas, and found objects as well — alongside works by other artists. These compositions shed light on Canesson’s practice and his process while challenging art historical hierarchies between the high and the low, fine art and the mass-produced object. The cases were juxtaposed with posters and paintings on paper as well as large-scale paintings on canvas made on site during Canesson’s month-long residency in Austin with the works of 36 other artists from Texas and throughout Europe. An ambient soundtrack of TNHCH B-sides and music videos made by other artists bookended the exhibition, providing an apt introduction and conclusion to the show.
Written by the surrealist poet Robert Desnos between 1919 and 1929, Les Espaces du Sommeil (Sleep Spaces), with its ringing refrain, “there you are, there you are,” describes a dreamy meander through the darkened streets of Paris. The poem’s wanderer comes upon different sites and sounds, and this multisensorial patchwork represents what the city is — an alluring space rife with possibilities because of its vast plurality, because of its multitudes. Taking this as a point of departure, Canesson’s Sleep Spaces presented a multilayered ramble through artistic perspectives, styles, and techniques, and this variety made for an exhibition that foregrounded experimentation and play. Working in this way also allowed Canesson to problematize certain standards and conventions that govern curatorial practice, favoring openness and flexibility over a prescribed plan. Favoring impromptu and improvisational groupings, configurations of works made by contemporary artists appeared alongside those that privileged transhistorical dialogues. For example, prints by Joan Mitchell and Willem de Kooning were juxtaposed with posters and paintings by Canesson and Alisson Schmitt and Samir Mougas; paintings by Amy Sillman shared space on the wall with a print by John James Audubon; and a print by Ed Ruscha was grouped with a print by Hilary Galbreaith, a photograph by Emily Peacock, and paintings by Canesson. Together, these works and the others on view in Sleep Spaces advocated for the importance of variety, variation, and the versatility expressed by Desnos in the early 20th century. Almost one hundred years after Les Espaces du Sommeil was first published, the poem still inspires, and in the case of Canesson’s Sleep Spaces, Desnos’ words became the basis for an expansive approach to curation.
Il y a toi… il y a toi…
Corentin Canesson est un peintre qui n’a pas l’habitude de travailler seul dans son atelier. Au contraire, la collaboration avec d’autres artistes est au cœur de son processus créatif, et son attachement pour les œuvres produites collectivement est alimenté par un réel intérêt pour les échanges féconds qui se produisent dans un tel contexte. Au cours de la dernière décennie, il a développé une large palette artistique qui a pris forme à travers une multitude de projets, résidences d’artistes et expositions – lesquels tirent profit des discussions et des œuvres réalisées en collaboration avec ses amis artistes en Bretagne et à Paris – et s’est déployée, en particulier, dans le projet que nous avons initié ensemble, au printemps 2022, au Visual Arts Center d’Austin au Texas.
Au cours de ces cinq dernières années, Corentin Canesson a présenté son travail et celui des artistes avec lesquels il collabore régulièrement dans le contexte classique de centres d’art tels que le Crédac (Centre d’art contemporain d’Ivry) ou la Fondation d’entreprise Pernod Ricard, mais aussi dans des lieux moins conventionnels comme le centre commercial Jeanne Hachette à Ivry. Dans cet espace, Corentin Canesson et Damien Le Dévédec (un de ses collaborateurs réguliers) ont participé, au printemps 2021, à une résidence d’artiste accompagnée d’une exposition temporaire – organisée par le Crédac et conçue par la commissaire d’exposition Maëla Bescond – intitulée Art, Fleur et Nature/You Can Have it All. Dans le cadre de cette résidence initiée par le Crédac, les artistes ont eu accès, pendant une période donnée, à des vitrines provisoirement inoccupées ainsi qu’à d’autres espaces vacants de la galerie marchande. Corentin Canesson s’est vu attribuer le local d’une ancienne boutique de fleuriste. Pendant quatre mois, lui et son complice Damien Le Dévédec ont produit plus d’une centaine de toiles, exploitant la totalité des murs et de la surface au sol tout en utilisant, en guise de socles sur lesquels présenter leurs productions, les estrades et les piédestaux vides qui servaient précédemment de supports pour les compositions florales. Emblématiques de l’œuvre de Corentin Canesson, ses peintures « textuelles », constituées de généreux coups de pinceaux de couleur éclatante et d’extraits de chansons et de poèmes inconnus ou célèbres, alternaient avec des compositions érotiques, des tableaux de nus, des natures mortes, des paysages et des portraits d’autres de ses collaborateurs, amis ou interlocuteurs privilégiés (comme Étienne Bernard, directeur du Frac Bretagne). Cet ensemble d’œuvres couvrant un large éventail de genres et de styles témoignait de la polyvalence et de la flexibilité de la pratique artistique de Corentin Canesson tout en reproduisant l’abondance et la variété des espèces florales que l’on trouve généralement chez un fleuriste. En l’occurrence, les pivoines, les tulipes et les roses avaient été remplacées par des toiles aux couleurs vives, de dimensions variées et d’une grande variété stylistique. Une autre forme de « marchandises » s’était donc substituée aux « articles » habituellement en vente dans une boutique de fleuriste. Néanmoins, à la fin de l’exposition, Damien Le Dévédec et Corentin Canesson ont procédé à un don collectif de leurs travaux, subvertissant de ce fait la marchandisation de ces « articles ». L’ensemble des toiles réalisées à l’occasion de la résidence artistique ont été offertes au public assistant à l’événement qui clôturait l’exposition, prouvant au passage que celle-ci méritait bien son nom. Art, Fleur et Nature/You can Have it All : on pouvait effectivement « tout avoir ».
Dans (Sleep Spaces) Les Espaces du Sommeil, présenté au Visual Arts Center d’Austin au printemps 2022, Corentin Canesson a intégré des affiches de Art, Fleur et Nature/You Can Have it All à côté d’affiches réalisées à l’occasion de ses autres expositions ou des concerts de son groupe de rock expérimental TNHCH – une manière d’avoir recours à la citation tout en soulignant la continuité avec ses projets précédents. L’artiste présente presque toujours, dans ses expositions, différents aspects de son travail en même temps que des objets personnels et des œuvres d’artistes qu’il admire, ce qui est devenu un trait caractéristique de sa pratique tant artistique que curatoriale. Dans (Sleep Spaces) Les Espaces du Sommeil, ses œuvres exposées sur les murs trouvaient un prolongement dans les vitrines de présentation contenant des objets lui appartenant – un journal intime de son enfance, des dessins de sa fille, des cartes postales, le pinceau de la peintre abstraite américaine Shirley Jaffe, un chapeau de paille du Texas et une série d’objets trouvés –, ainsi que dans les œuvres d’autres artistes. Ce type d’associations met en lumière la pratique et la démarche de Corentin Canesson tout en remettant en question la distinction historique entre « art majeur » et « art mineur », de même qu’entre les beaux-arts et les objets produits en série. Dans cette exposition, les objets présentés dans les vitrines étaient juxtaposés à des affiches et à des peintures sur papier, tandis que des toiles grand format réalisées in situ pendant la résidence d’un mois de Corentin Canesson à Austin dialoguaient avec les œuvres de 36 autres artistes européens ou originaires du Texas. Une bande sonore ambiante composée de morceaux du groupe TNHCH et de vidéoclips réalisés par d’autres artistes ouvrait et clôturait l’exposition, offrant une introduction et une conclusion appropriées à l’ensemble.
Écrit par le poète surréaliste Robert Desnos entre 1919 et 1929, Les Espaces du Sommeil, avec son refrain lancinant – « il y a toi… il y a toi… » – décrit une déambulation rêveuse dans les rues de Paris plongées dans l’obscurité. Le promeneur du poème découvre différents lieux au gré de ses pérégrinations et est confronté à de multiples bruits. Ce patchwork multi-sensoriel est une représentation de ce qu’est la ville : un espace attrayant, riche en possibilités en raison de sa grande pluralité et des multitudes qu’elle contient. En prenant cette idée pour point de départ, Corentin Canesson a conçu un vagabondage polysémique donnant à voir différentes perspectives artistiques et différents styles et techniques. Cette variété de points de vue a donné lieu à une exposition mettant le jeu et l’expérimentation au premier plan. Cette approche a également permis à l’artiste de remettre en question certaines normes et conventions régissant les pratiques curatoriales, en privilégiant l’ouverture et la flexibilité au lieu de suivre un programme prédéfini. Des assemblages d’œuvres réalisées par des artistes contemporains côtoyaient des créations mettant l’accent sur les échanges transhistoriques, favorisant des regroupements improvisés et inattendus. Ainsi, des lithographies de tableaux de Joan Mitchell et de Willem de Kooning étaient juxtaposées à des affiches et des tableaux de Corentin Canesson, d’Alisson Schmitt et de Samir Mougas ; des toiles d’Amy Sillman partageaient l’espace mural avec une lithographie d’un tableau de Jean-Jacques Audubon ; une lithographie d’une peinture d’Ed Ruscha côtoyait une sérigraphie d’Hilary Galbreaith, une photographie d’Emily Peacock et des peintures de Corentin Canesson. Ensemble, ces œuvres – de même que toutes celles présentées dans (Sleep Spaces) Les Espaces du Sommeil – soulignaient l’importance de la variété, de la variation et de la polyvalence illustrées par le poème de Robert Desnos au début du XXe siècle. Près d’un siècle après sa publication originale, Les Espaces du Sommeil demeure un poème inspirant. Réinterprétés dans cette exposition par Corentin Canesson, les propos de Robert Desnos deviennent le fondement d’une pratique curatoriale aux perspectives élargies.
Mackenzie Stevens, 2022
Traduction de Frédérique Popet
Corentin Canesson
Corentin Canesson
Corentin Canesson is born in 1988 in Brest, (France). He studied with Jean-François Maurige at École Européenne Supérieure d’Art de Bretagne in Rennes where he got a DNSEP (2011) and attended the art school at Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig (2010). Recently, he has had solo exhibitions at the Gallery Sator (2020), Romainville, which represents him, at Gallery Nathalie Obadia (2018), Paris, at Centre d’art Contemporain le Crédac, Ivry-sur-Seine (2017); Centre d’art Contemporain Passerelle, Brest (2015); amongst others. His work has also been in group exhibitions at Musée Zadkine, Paris (2021); FRAC Bretagne, Rennes (2021); Art au Centre, Liége (2020); Frac Champagne-Ardenne, Reims (2019); Les Abattoirs de Toulouse (2017); Jean Brolly Gallery, Paris, (2020, 2016). Corentin Canesson won the Frac Bretagne Prize (2021) and he participated to the Ricard Prize (2019). He co-directed the exhibition space Standards in Rennes from 2008 to 2014 and is a resident at DOC! in Paris. He is also the guitarist of the experimental band TNHCH.
He will soon present his work at the Visual Arts Center in Austin (Texas, US) for the exhibition “Sleep Spaces / Les espaces du sommeil” (curated by Mackenzie Stevens) as well as at the Villa Arson in Nice for the exhibition ” Things We lost in The Fire ” organized by the artist Lola Gonzalez.
Corentin Canesson est nĂ© en 1988 Ă Brest (France). Il a suivi l’enseignement de Jean-François Maurige Ă l’École europĂ©enne supĂ©rieure d’art de Bretagne Ă Rennes oĂą il a obtenu un DNSEP (2011) et a Ă©galement Ă©tudiĂ© Ă la Hochschule fĂĽr Grafik und Buchkunst de Leipzig (2010). RĂ©cemment, il a prĂ©sentĂ© des expositions personnelles Ă la Galerie Sator (2020), Romainville, qui le reprĂ©sente, Ă la Galerie Nathalie Obadia (2018), Paris, au Centre d’art Contemporain le CrĂ©dac, Ivry-sur-Seine (2017) ; au Centre d’art Contemporain Passerelle, Brest (2015). Son travail a Ă©galement Ă©tĂ© montrĂ© dans diffĂ©rentes expositions collectives, notamment au MusĂ©e Zadkine, Paris (2021) ; au FRAC Bretagne, Rennes (2021) ; Ă Art au Centre, Liège (2020) ; au Frac Champagne-Ardenne, Reims (2019) ; aux Abattoirs de Toulouse (2017) ; et Ă la Galerie Jean Brolly, Paris, (2020, 2016). Corentin Canesson a Ă©tĂ© laurĂ©at du prix du Frac Bretagne (2021) et il a participĂ© au prix Ricard (2019). Il a codirigĂ© l’espace d’exposition Standards Ă Rennes de 2008 Ă 2014 et est actuellement rĂ©sident Ă DOC !, Paris. Il est Ă©galement le guitariste du groupe expĂ©rimental TNHCH.
En 2022, il prĂ©sente son travail au Visual Arts Center d’Austin (Etats-Unis) pour l’exposition ” Sleep Spaces / Les espaces du sommeil” (commissaire: Mackenzie Stevens) ainsi qu’Ă la Villa Arson Ă Nice pour l’exposition ” Ce que nous avons perdu dans le feu ” organisĂ©e par l’artiste Lola Gonzalez.
Mackenzie Stevens
Mackenzie Stevens
MacKenzie Stevens is the Director of the Visual Arts Center at The University of Texas at Austin. Stevens received her BA in art history from the University of California, Berkeley and her MA in art history from the Courtauld Institute of Art in London. At the Visual Arts Center, Stevens has organized exhibitions with Carmen Argote, Corentin Canesson, Joey Fauerso, Nikita Gale, Juan Pablo González, Madeline Hollander, Michael Queenland, Luiz Roque, and Kenneth Tam amongst others as well as a mid-career survey of Houston-based artist, Lisa Lapinski. Currently, Stevens is working on an exhibition with Kate Newby, a book project with Lisa Lapinski, and is co-curating a group exhibition titled Social Fabric: Art and Activism in Contemporary Brazil, focusing on Brazilian contemporary art with Adele Nelson that is slated to open at the Visual Arts Center in September 2022. Social Fabric received The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts Grant.
Prior to joining the Visual Arts Center, Stevens was part of the curatorial team at the Hammer Museum in Los Angeles. There, she organized exhibitions, performances and public programs, contributing to a number of exhibitions with artists such as Marwa Arsanios, Kevin Beasley, Petrit Halilaj, Maria Hassabi, Judith Hopf, Molly Lowe, and Pedro Reyes, amongst others. She was part of the curatorial team for Made in L.A. 2016: a, the, though, only and Made in L.A. 2018 — the Hammer’s biannual museum-wide exhibition that celebrates the work of artists living and working in the greater Los Angeles area. Stevens contributed to the exhibition catalogues for Jimmie Durham: At the Center of the World and Made in L.A. 2018.
Prior to her tenure at the Hammer, Stevens held curatorial and research positions in Los Angeles and New York City at The Museum of Contemporary Art, Los Angeles, The Museum of Modern Art, New York, and Pace Gallery, New York.
MacKenzie Stevens est directrice du Visual Arts Center de l’université du Texas à Austin. Elle est titulaire d’une licence en histoire de l’art de l’université de Californie à Berkeley et d’un master en histoire de l’art du Courtauld Institute of Art de Londres. Au Visual Arts Center, Mme Stevens a organisé des expositions de Carmen Argote, Corentin Canesson, Joey Fauerso, Nikita Gale, Juan Pablo González, Madeline Hollander, Michael Queenland, Luiz Roque et Kenneth Tam, entre autres, ainsi qu’une rétrospective de milieu de carrière de Lisa Lapinski, une artiste de Houston. Stevens travaille actuellement à une exposition avec Kate Newby, à un projet de livre avec Lisa Lapinski, et est co-commissaire d’une exposition collective intitulée Social Fabric : Art and Activism in Contemporary Brazil, axée sur l’art contemporain brésilien, avec Adele Nelson, qui devrait être inaugurée au Visual Arts Center en septembre 2022. Social Fabric a reçu une subvention de la fondation Andy Warhol pour les arts visuels.
Avant de rejoindre le Visual Arts Center, Mme Stevens a travaillé dans l’équipe de conservateurs du Hammer Museum de Los Angeles. Elle y a organisé des expositions, des performances et des programmes publics, contribuant à un certain nombre d’expositions avec des artistes parmi lesquels Marwa Arsanios, Kevin Beasley, Petrit Halilaj, Maria Hassabi, Judith Hopf, Molly Lowe et Pedro Reyes. Elle a fait partie de l’équipe de commissaires de Made in L.A. 2016 : a, the, though, only et de Made in L.A. 2018, l’exposition bisannuelle du Hammer qui célèbre le travail des artistes vivant et travaillant dans la région de Los Angeles. Stevens a contribué aux catalogues d’exposition de Jimmie Durham : At the Center of the World et Made in L.A. 2018.
Avant de travailler au Hammer, Mme Stevens a exercé comme conservatrice et chercheuse à Los Angeles et à New York, au musée d’art contemporain de Los Angeles, au musée d’art moderne de New York et à la Pace Gallery de New York.
For almost 20 years, I have developed a practice of painting that has gradually opened up to very diverse fields, from performance to monumental sculpture, from painting on silk to installation. Using various bases and developing reuse, assemblages and formal confrontations, I wish to show how the modern project resists in the body and materiality of its own representations. As the result of an intense activity as an iconographer, my work is based on an open practice of the form, quite the opposite of a nostalgic or referential re-reading, enabling the free exercise of the most unexpected visual combinations. The idea is for me to materialise images, literally making them concrete. Started in 1998, mainly through the practice of painting, my work gradually has become more characteristic, more specifically in recent years, with a large variety of means in play.
