Welding Time and Space, Capturing the Decisive Moment.
Some works are interesting because they straddle the line between different kinds of practice. This is the case with Denis Darzacqâs recent creations. While earlier works like La Chute, Hyper and Act triggered immediate and nearly universal fascination by putting on the line the human body and its (dis)abilities, his abstract collages Absences demand an active viewer. In order to feel and understand them, we have to conquer them first. In a world full of easy pictures, where attention spans are getting shorter and shorter, they demand a concentrated and patient gaze, not just a glance. Made to be savored and decoded slowly, they are not instantly striking and donât immediately tell us how to read them. At first sight â especially when we only see a reproduction on our smartphone screen â it is hard to tell if they are paintings, sculptures, photographs or something else. They are hard to classify and full of contradictions. But it is precisely their ambiguity that makes them interesting.
Each Absence is short lived and yet accumulates many instants. Each seems abstract and yet each is assembled of photographic images. Torn or cut out from a photograph, the pieces that Darzacq welds together, each refers to a moment in the past of his practice as a photographer: an image of an urban landscape in Taiwan from 2014 can meet an IKEA chair from an office in 1992 or a metal grid from a school in Chicago, photographed in 2016. While looking abstract, these works are charged with the lived reality of an internationally acclaimed photographer. Their poetic â and sometimes political â potential only fully appears when we read the legend. Where Darzacqâs past creations embraced the decisive moment, none of the instants packed into the recent works seems to be more decisive than any other.
Each of the pieces in his assemblages is a photographic trace in itâs own right. Each says â in Roland Barthes terms: âThis has been.â But not every segment shows a recognizable thing in the world. In an act of auto-appropriation, Darzacq iconoclastically destroys his own photographs to create something new. What was initially produced as an image in its own right becomes the raw material for bending and welding time and space together. Destruction becomes the basis for creation. The constructed simplicity of a series like Chute has given way to a visual complexity which is hard to understand. What connects Absence to Darzacqâs earlier works is the inherent instability of the constellations. Most of his fragile photo-sculptures only exist for a few moments â enough time for the artist to snap a picture â and then fall apart. The decisive moment now happens in the intimacy of the studio.
Klaus Speidel, 2021
Fusioner le temps et lâespace, capturer le moment dĂ©cisif.
Certaines Ćuvres suscitent lâintĂ©rĂȘt de par leur propension Ă naviguer entre diffĂ©rents types de pratiques. Câest le cas des crĂ©ations rĂ©centes de Denis Darzacq. Alors que ses prĂ©cĂ©dents travaux La Chute, Hyper et Act dĂ©clenchaient une fascination immĂ©diate et presque universelle en exposant le corps humain et ses capacitĂ©s/handicaps au danger, ses collages abstraits Absences requiĂšrent une observation active du public. Il faut dâabord les conquĂ©rir pour les ressentir et les comprendre. Dans un monde oĂč il est facile de prendre des photos et oĂč notre capacitĂ© de concentration sâamenuise toujours plus, ils exigent un regard concentrĂ© et patient, et non un simple coup dâĆil. Conçus pour ĂȘtre savourĂ©s et dĂ©codĂ©s lentement, ils ne nous sautent pas instantanĂ©ment aux yeux ni ne nous rĂ©vĂšlent dâemblĂ©e comment les lire. Difficile de dire sâil sâagit de peintures, de sculptures, de photos ou dâautres choses Ă premiĂšre vue, Ă plus forte raison lorsqu’on nâen voit quâune reproduction sur lâĂ©cran de son smartphone. Ces crĂ©ations ne sont pas Ă©videntes Ă classer et regorgent de contradictions, mais câest justement cette ambiguĂŻtĂ© qui les rend intĂ©ressantes.
Les Absences durent trĂšs peu de temps, mais nâen accumulent pas moins divers instants. Bien que dâapparence abstraite, chacune dâelles consiste en un assemblage dâimages photographiques. Quâils soient dĂ©chirĂ©s ou dĂ©coupĂ©s dans une photo, les morceaux que lâartiste soudent les uns aux autres renvoient individuellement Ă un moment passĂ© de sa carriĂšre de photographe. Un clichĂ© de paysage urbain Ă TaĂŻwan de 2014 peut cĂŽtoyer celui dâune chaise IKEA dâun bureau datant de 1992 ou la grille mĂ©tallique dâune Ă©cole Ă Chicago immortalisĂ©e en 2016. Si ces Ćuvres paraissent fictives, elles nâen portent pas moins la rĂ©alitĂ© vĂ©cue dâun photographe de renommĂ©e internationale. Leur potentiel poĂ©tique, et parfois politique, ne se rĂ©vĂšle pleinement quâĂ la lecture de la lĂ©gende. LĂ oĂč les crĂ©ations antĂ©rieures de Denis Darzacq ont adoptĂ© le moment dĂ©cisif, aucun des instants capturĂ©s dans ses Ćuvres rĂ©centes ne semble plus dĂ©cisif que les autres.
Chaque piĂšce de ses assemblages constitue une trace photographique Ă part entiĂšre. Chacune dâelle affirme, selon les propres termes de Roland Barthes, que « ça a Ă©tĂ©. » Toutefois, ces segments ne montrent pas tous un Ă©lĂ©ment reconnaissable du monde. Dans un geste dâauto-appropriation, le photographe dĂ©truit ses propres clichĂ©s de façon iconoclaste pour crĂ©er du neuf. Lâimage Ă part entiĂšre initialement produite devient la matiĂšre premiĂšre qui permet de relier et souder le temps et lâespace. La crĂ©ation repose dĂ©sormais sur la destruction. La simplicitĂ© construite dâune sĂ©rie comme Chute a ouvert la voie Ă une complexitĂ© visuelle difficile Ă comprendre. Les Absences se connectent aux Ćuvres prĂ©cĂ©dentes de Denis Darzacq grĂące Ă lâinstabilitĂ© inhĂ©rente des constellations. La plupart de ces photo-sculptures fragiles nâexistent que pendant quelques instants. Le temps quâil faut Ă lâartiste pour prendre une photo, avant leur effondrement. Le moment dĂ©cisif se produit dĂ©sormais dans lâintimitĂ© du studio.
Klaus Speidel, 2021
Traduit de l’anglais par ADT International
Born in 1961, Denis Darzacq lives and works in Paris.
Graduated from the National School of Decorative Arts in 1986 (ENSAD).
He began his career of photography following the French rock scene and then became a stills photographer on numerous feature films (Satyajit Ray, Jacques Rivette, Chantal Ackerman, etc.).
From 1989, he regularly collaborates with the newspaper Libération and more generally with the national press. In 1997, He became a member of agency VU.
Denis Darzacq has developed personal work since the mid-1990âs.
He has become convinced that planned images paradoxically serve to reflect society with greater acuity. Since 2003 he has turned to staging which involves the principle of disruption. The pose or condition of the people staged contrasts with the established order without spilling over into the spectacular. Nude men and women walk through suburban settings; others seem suspended in urban setÂtings or among supermarket shelves. Handicapped persons repossess public space. In the recent series Recomposition I, Darzacq used digital editing for the first time to relentlessly pursue this edgy logic.
Denis Darzacq approaches the body like a sculpture; a sculpÂture of social commentary, for the body cannot be disassociated from the context in which it interacts. The body is the tool used to critique the problems and barriers inflicted on different groups of people, in particular disaffected youth from the outskirts of life, and, like in Act, populations on the fringe of society. Denis Darzacq puts his finger on the social contradictions and restrictions. He also beckons the viewer, through the breach created by movement stripped of meaning, to affirm ever-more complex identity than what meets the eye, and to assume a form of freedom where freedom seems to have vanished.
For the last ten years, his photographic works have taken a new direction, more abstract . They translate the same sense of the observation of signs of the contemporary world, while developing a reflection on the photographic medium, trying to free it from its duty to inform. No more narration or too direct a relationship to reality, only shapes, colors, space and composition make sense.
NĂ© en 1961 Denis Darzacq vit et travaille Ă Paris. DiplĂŽmĂ© de l’Ecole Nationale des Arts DĂ©coratifs en 1986, section vidĂ©o, il dĂ©bute la photographie en suivant la scĂšne rock française et devient Ă©galement photographe de plateau sur de nombreux longs mĂ©trages (Satyajit Ray, Jacques Rivette, Chantal Ackerman, etc.).
A partir de 1989, il collabore rĂ©guliĂšrement avec le quotidien LibĂ©ration et plus globalement avec la presse nationale. Il devient membre de lâagence VU en 1997.
Depuis le milieu des annĂ©es 1990, Denis Darzacq dĂ©veloppe un travail personnel. Il a acquis la conviction qu’une image construite pouvait paradoxalement servir son analyse de la sociĂ©tĂ© avec plus d’efficacitĂ©. Aussi recourt-il, depuis 2003, Ă des mises en scĂšne qui reposent toutes sur le principe de la disruption. Par leur Ă©tat ou leur pose, les corps mis en scĂšne bouleversent l’ordre Ă©tabli, mais sans jamais faire basculer l’image dans le spectaculaire. Des hommes et des femmes marchent nus dans des zones pavillonnaires (Nus, 2003), d’autres semblent figĂ©s en apesanteur dans l’espace urbain (La Chute, 2006), ou entre des rayons de supermarchĂ©s (Hyper,_ 2007-2011) ; des personnes en situation de handicap reprennent avec force possession de l’espace public, (Act, 2009-2011). Le montagenumĂ©rique que l’artiste n’avait jusqu’alors jamais utilisĂ©, lui a permis, dans la sĂ©rie Recomposition I, 2009, de pousser plus Ă fond cette logique perturbatrice.
L’artiste envisage le corps comme une sculpture. Mais une sculpture sociale car le corps ne peut ĂȘtre extrait du contexte avec lequel il interagit. L’artiste en fait l’outil d’une critique des difficultĂ©s et des stigmatisations auxquelles se heurtent certains groupes, tout particuliĂšrement les jeunes des quartiers dĂ©favorisĂ©s ou des zones relĂ©guĂ©es, plus globalement comme dans Act, les populations en marge. Denis Darzacq pointe les contraintes et les contradictions sociales. Mais il invite aussi, par la rupture de gestes dĂ©pourvus de sens, Ă affirmer une identitĂ© toujours plus complexe que celle qui nous est assignĂ© et Ă reconquĂ©rir une forme de libertĂ© lĂ oĂč elle semble avoir disparu.
Depuis une dizaine dâannĂ©e ses travaux photographiques ont pris une nouvelle direction, plus abstraite elles traduisent un mĂȘme sens de l’observation des signes du monde contemporain, tout en dĂ©veloppant une rĂ©flexion sur le mĂ©dium photographique, essayant de libĂ©rer celui-ci de son devoir dâinformer. Plus de narration ni de rapport trop direct Ă la rĂ©alitĂ©, seuls les formes, les couleurs, lâespace et la composition font sens.
Klaus Spiedel is an image and art theorist, academic philosopher, art critic and curator. In 2015, he received the AICA France Prize for Art Criticism. He studied philosophy and art history in Munich (LMU) and Paris (Ăcole normale supĂ©rieure, Paris X Nanterre, Sorbonne). He publishes academic papers on art, narrative, depiction, style and drawing in German, English and French.
He also writes for the Frankfurter Allgemeine Zeitung, Der Standard, Spike Art Quarterly, artpress, Art Newspaper, Parnass, and in catalogues, for instance for Centre Pompidou, Schirn Kunsthalle, mumok, Belvedere, FRAC Franche-Comté, mudam Luxemburg, Kunsthalle Wien. He curated exhibitions in Germany, Austria and France, was a guest on the Arte TV show Philosophie with the topic « Image » and a keynote speaker at different international events.
After teaching at the Sorbonne, Université Paris Diderot, as well as the Universities of Konstanz and Vienna and at numerous fine arts and design academies, he was the head of the FWF Lise Meitner Project Towards an experimental narratology of the image between 2015 and 2018 at Vienna University. He teaches art history at the Universities of Vienna, image theory at the Ecole Estienne in Paris and Paris College of Art, as well as art and curation at the University for Applied Arts in Vienna and consults institutions regarding their communications.
Kaus Spiedel est un thĂ©oricien de l’image et de l’art, philosophe universitaire, critique dâart et commissaire dâexposition allemand. En 2015, il fĂ»t le laurĂ©at du Prix AICA France de la critique dâart. Il a fait des Ă©tudes de philosophie et dâhistoire de lâart Ă Munich (LMU) et Paris (Ăcole normale supĂ©rieure, Paris X Nanterre, Sorbonne). Il publie des articles de recherche sur lâart, la narration, lâimage, le style, et le dessin en allemand, anglais et français. Il Ă©crit Ă©galement pour le Frankfurter Allgemeine Zeitung, Der Standard, Spike Art Quarterly, artpress, Art Newspaper, Parnass, et dans des catalogues, par exemple pour le Centre Pompidou, Schirn Kunsthalle, mumok, Belvedere, FRAC Franche-ComtĂ©, mudam Luxembourg, Kunsthalle Wien.
Comme commissaire, il a crĂ©Ă© des expositions en Autriche et en France, Ă©tait lâinvitĂ© de lâĂ©mission « Philosophie » sur Arte avec le sujet « Image » et donne rĂ©guliĂšrement des confĂ©rences lors dâĂ©vĂ©nements internationaux. AprĂšs avoir enseignĂ© Ă Paris IV Sorbonne, UniversitĂ© Paris Diderot, et les universitĂ©s Konstanz et Vienne et dans de nombreuses acadĂ©mies dâart et de design, il a dirigĂ© le projet FWF Lise Meitner « Towards an experimental narratology of the image » entre 2015 et 2018. Il enseigne en histoire de lâart Ă lâuniversitĂ© de Vienne, la thĂ©orie de, et lâĂ©criture sur lâart contemporain Ă Ecole Estienne Ă Paris, la Summer Academy for Fine Arts de Salzburg et le Paris College of Art, ainsi que la thĂ©orie de lâart et du commissariat Ă lâUniversitĂ© des arts appliquĂ©s de Vienne et conseille des institutions sur leur communication.
Marie Maillard sâappuie sur des formes et des motifs existants, elle doute de la perception et questionne la rĂ©alitĂ©, trouve le jeu entre prĂ©sence et absence intrigant et recherche des moyens contemporains de produire et de diffuser lâart. Marie Maillard sâintĂ©resse Ă©galement Ă lâessence de la matiĂšre et aux matĂ©riaux du futur, elle anticipe des technologies futures qui permettraient des transformations de la matiĂšre en modifiant leur structure molĂ©culaire. De cette façon, le marbre, le bois, la pierre ou le mĂ©tal pourraient devenir transparents voire liquides et la branche pourrait se transformer en matiĂšre inorganique telle que le verre ou l’eau (âTWIG 1808â, 2018).