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Mauricio Limon de LeĂłn

by Sylvie Fortin

Mauricio Limon de Leon

par Sylvie Fortin

France’s fixation on its own art scene has always bemused me. So has the ensuing unstable formation of what lies beyond it. These give rise to a complex choreography of in/exclusion performed on the tightrope of a foundational yet fickle closure. Equally fascinating is the seeming unawareness that such operations cut both ways, inclusion effectively trapping those inside.

The artists I have chosen to feature—Mauricio LimĂłn de LeĂłn, GaĂ«lle Choisne, Liv Schulman, Jean-Charles Massera—may seem to have little in common. Over the next month, you will be welcomed into their autonomous-yet-related realms: exclaves (aka ‘detachments,’ ‘pockets,’ or ‘peculiars’), which are parts of states or territories separated from them by alien territories. Exclaves also have anatomical currency. Body and territory. Producing exclaves, these artists saunter across textual-territorial expanses.

Exclave (key out) is a potent word, granting its homonymic ex-slave fugitivity. The logically extended back-formation of enclave (key in) was first used in 1888, a year that also yielded the term back-formation itself, as well as buyer’s market, credit card, gallerygoer, gross anatomy, interracial, and urbanization.

I have known Jean-Charles Massera for years, cherishing his unruly shuttles across cultural production’s fields. Liv Schulman and I have been working closely for nearly two years on an exhibition currently not/on view at Bemis Center for Contemporary Arts and a performance COVID-postponed to 2021. GaĂ«lle Choisne’s work spellbound me at BĂ©tonsalon. I wrote about it in Artforum. An accidental brand inscription in her installation at the Biennale de Lyon spirited its way into my text on Jean-Charles de Quillacq, ghosting its title. Mutual friends conjured Mauricio LimĂłn de LeĂłn on a Mexico City rooftop last year, an encounter that finds here its first public elaboration. And so, these artists straddle a French scene that includes Argentina, Brazil, Canada, HaĂŻti, Israel, Mexico, USA 
 Or is it the other way around?

Why them? Easy: valence, or their works’ defining aggregation, welcoming, and binding materials, discourses, sites, and futures (and histories) into new powers. My encounters with their works evolved into conversations that stayed with me. These artists became fellow-travelers into the autonomous zones that are research, writing, and curating.

[…]

Mauricio Limón de León’s projects often entail research and collaboration with groups of individuals over extended periods of time. While his approach flirts with anthropology and psychology, it rejects both their constitutive distance and narrative trappings. In his work, association shuttles across registers in an infectious, promiscuous play of projections and transferals. Intimacy, vulnerability, and kinship—which, Ruha Benjamin reminds us, is always produced and imaginary*—critically merge to carve out spaces of hospitality, with all its productive tensions. Limon’s works also foreground embodied knowledges and communal practices that resist the logics of authorship or mastery, capital or extraction. In all this, his work is deeply—if not always evidently—political.

In the ongoing work Performing White Skin, begun in 2019, masks endow their wearers with the near-magical privilege of soliloquy in an indictment of the hubris of whiteness.

The video Promise Prohibited (2013-2014) and the fanzine Buscando la sombra de árbol [Looking for the Shade of the Tree] (2014-2020) track Limón’s “adoption” by a community in the Iztapalapa neighborhood, east of Mexico City.

A playfully sensuous material intelligence informs the two related installations Someshapesarepornsomeshapesarenotporn (2017) and A Set of Non Verbal Fantasies (2018), yielding spaces of muffled, embodied pleasure. The video Tetlacuicuiliqui. (náhuatl) [The One Who Gets Something Out of People] (2015), also bypasses language, humorously recasting a typical quack doctor’s performance from street hustle to Botanical Garden pantomime.

The decade-long project With all the Respect That You Deserve Me! spins pink and blue cotton candy around spaces, onto patient sitters, and across volcanic lands. It skirts the sticky geopolitical questions of resource extraction, modernization, monopoly, and addiction while conjuring the exhilarating childhood memories of sweet smells, magic swirls, and sugar melting on your tongue.

Boxing moves face off with dance steps in the video Dientes Rotos [Broken Teeth] (2014-2015) as the space and energy between the bodies onscreen, the negative space between red and black, is the ghost of community. In a society struggling with widespread femicide, these bodies fall in step in complex and unsettled ways.

Sylvie Fortin, 2020

  • Ruha Benjamin, “Black AfterLives Matter: Cultivating Kinfulness as Reproductive Justice” in Making Kin Not Population, ed. Adele E. Clarke and Donna Haraway (Chicago: Prickly Paradigm Press, LLC, 2018), 41-65.

L’obsession de la France pour sa propre scĂšne artistique m’a toujours dĂ©routĂ©e. Tout comme le concept flou sur lequel elle repose. Cela donne lieu Ă  une chorĂ©graphie complexe d’in/exclusion, exercice d’équilibre provoquĂ© par un manque d’ouverture fondamental, mais capricieux. Tout aussi fascinante est l’apparente inconscience du caractĂšre contradictoire d’un tel fonctionnement, l’inclusion piĂ©geant effectivement ceux qui se trouvent Ă  l’intĂ©rieur.

Les artistes que j’ai choisi de prĂ©senter - Mauricio LimĂłn de LeĂłn, GaĂ«lle Choisne, Liv Schulman, Jean-Charles Massera - peuvent sembler avoir peu en commun. Au cours du mois prochain, nous vous accueillerons pour dĂ©couvrir leurs domaines autonomes mais connexes : les enclaves (« exclaves Â» en anglais Â», aussi appelĂ©es « possessions dĂ©tachĂ©es Â», « territoires isolĂ©s Â» ou « espaces particuliers Â»), des territoires ou des États placĂ©s Ă  l’intĂ©rieur d’autres territoires ou d’autres États. Les enclaves ont Ă©galement une monnaie de forme anatomique. Corps et territoire. En crĂ©ant des enclaves, ces artistes cheminent Ă  travers des Ă©tendues textuelles-territoriales.

Enclave (exclave en anglais) est un terme puissant, qui admet la possibilitĂ© de fuite contenue dans son homonyme en anglais l’ex-esclave. La dĂ©rivation rĂ©gressive par extension logique du concept d’enclave (enclave en anglais) a Ă©tĂ© utilisĂ©e pour la premiĂšre fois en 1888, une annĂ©e qui a Ă©galement vu la naissance du terme troncation lui-mĂȘme, ainsi que de ceux de marchĂ© d’acheteurs, carte de crĂ©dit, galeriste, anatomie macroscopique, interracial et urbanisation.

Je connais Jean-Charles Massera depuis des annĂ©es et j’apprĂ©cie ses allĂ©es et venues indisciplinĂ©es dans les domaines de la production culturelle. Liv Schulman et moi travaillons en Ă©troite collaboration depuis prĂšs de deux ans Ă  une exposition pas encore ouverte au public au Bemis Center for Contemporary Arts et sur une performance COVID – reportĂ©e Ă  2021. J’ai Ă©tĂ© envoĂ»tĂ©e par l’Ɠuvre de GaĂ«lle Choisne Ă  BĂ©tonsalon. J’en ai parlĂ© dans Artforum. La rĂ©fĂ©rence involontaire Ă  une marque, lors de son installation Ă  la Biennale de Lyon, s’est glissĂ©e dans mon texte sur Jean-Charles de Quillacq, en rendant son titre illisible. Des amis communs ont invitĂ© Mauricio LimĂłn de LeĂłn sur un toit de Mexico l’annĂ©e derniĂšre, une rencontre qui trouve ici sa premiĂšre concrĂ©tisation publique. Ainsi, ces artistes naviguent dans une scĂšne française qui comprend l’Argentine, le BrĂ©sil, le Canada, HaĂŻti, IsraĂ«l, le Mexique, les États-Unis… Ou est-ce l’inverse ?

Pourquoi eux ? La rĂ©ponse est simple : une vision commune, ou ce qui caractĂ©rise leur travail, l’agrĂ©gation, l’accueil et l’assemblage de matĂ©riaux, discours, sites et avenirs (et d’histoires) pour leur confĂ©rer de nouveaux pouvoirs. La dĂ©couverte de leurs Ɠuvres s’est poursuivie au cours de conversations qui m’ont marquĂ©e. Ces artistes sont devenus des compagnons de voyage dans les zones autonomes que sont la recherche, l’écriture et le commissariat d’exposition.

[…]

Les projets de Mauricio LimĂłn de LeĂłn impliquent souvent des recherches en collaboration avec des groupes sur de longues pĂ©riodes. Si son approche flirte avec l’anthropologie et la psychologie, elle rejette Ă  la fois leur distance thĂ©orique et leurs piĂšges narratifs. Dans son travail, leur association navigue entre les registres dans un jeu de projections et de transferts contagieux et teintĂ© de promiscuitĂ© sexuelle. L’intimitĂ©, la vulnĂ©rabilitĂ© et les liens de parentĂ© – qui, comme nous le rappelle Ruha Benjamin , sont toujours des productions de notre imaginaire* – fusionnent de maniĂšre critique pour crĂ©er des espaces d’hospitalitĂ©, avec toutes les tensions productives qu’ils supposent. Les travaux de Limon mettent Ă©galement en avant des savoirs incarnĂ©s et des pratiques communautaires qui rĂ©sistent aux logiques de la paternitĂ© de la crĂ©ation ou de sa maĂźtrise, du capital ou de l’origine sociale. En ce sens, son travail est profondĂ©ment – mĂȘme si ce n’est pas toujours Ă©vident – politique.

Dans son Ɠuvre en cours Performing White Skin, dĂ©butĂ©e en 2019, les masques confĂšrent Ă  ceux qui les portent le privilĂšge quasi-magique du soliloque dans un rĂ©quisitoire contre l’orgueil dĂ©mesurĂ© de l’homme blanc.

La vidĂ©o Promise Prohibited (2013-2014) et le fanzine Buscando la sombra de ĂĄrbol [À la recherche de l’ombre de l’arbre] (2014-2020) suivent le parcours de l’« adoption Â» de LimĂłn par une communautĂ© du quartier d’Iztapalapa, Ă  l’est de Mexico.

Les deux installations Someshapesarepornsomeshapesarenotporn (2017) et A Set of Non Verbal Fantasies (2018) sont le fruit d’une apprĂ©hension ludique et sensuelle du concept, qui donne naissance Ă  des espaces oĂč le plaisir est incarnĂ© et Ă©touffĂ©. La vidĂ©o Tetlacuicuiliqui. (nĂĄhuatl) [Celui qui obtient quelque chose des gens] (2015), contourne Ă©galement le langage, transformant avec humour le comportement d’un mĂ©decin charlatan typique, de l’arnaque de rue Ă  la pantomime du jardin botanique.

Dans le projet entamĂ© il y a dix ans With all the Respect That You Deserve Me ! des filaments de sucre rose et bleu de barbe Ă  papa tournent dans les espaces, sur des modĂšles patients et des terres volcaniques. Mauricio LimĂłn de LeĂłn aborde les questions gĂ©opolitiques Ă©pineuses de l’extraction des ressources, de la modernisation, du monopole et de la dĂ©pendance, tout en Ă©voquant des souvenirs d’enfance enivrants d’odeurs sucrĂ©es, de tourbillons magiques et de sucre qui fond sur la langue.

Mouvements de boxe et pas de danse se font face dans la vidĂ©o Dientes Rotos [Dents cassĂ©es] (2014-2015), car l’espace et l’énergie Ă  l’Ɠuvre entre les corps Ă  l’Ă©cran, le vide en nĂ©gatif entre le rouge et le noir, est le fantĂŽme de la communautĂ©. Dans une sociĂ©tĂ© aux prises avec un fĂ©minicide gĂ©nĂ©ralisĂ©, ces corps finissent par accorder leur rythme dans un jeu complexe et trouble.

Sylvie Fortin, 2020

Traduit de l’anglais par Elsa Maggion

  • Ruha Benjamin, “Black AfterLives Matter: Cultivating Kinfulness as Reproductive Justice,” in Making Kin Not Population, ed. Adele E. Clarke and Donna Haraway (Chicago: Prickly Paradigm Press, LLC, 2018), 41-65.
A Gigantic Broom to uncover compelling narratives. 2020
Performance at  AVL - MUNDO / “THE PERFORMANCE SHOW”  / ART Rotterdam 2020 / Ellen de Bruijne Projects
Photo: Mauricio Limon

A Gigantic Broom to uncover compelling narratives. 2020
Performance at AVL - MUNDO / “THE PERFORMANCE SHOW” / ART Rotterdam 2020 / Ellen de Bruijne Projects
Photo: Mauricio Limon

Mauricio Limon de LeĂłn
Mauricio Limon de Leon

Born in Mexico City in 1979, Mauricio Limon lives and works in Paris. His practice explores ethnological-urban interactions, sexuality, and power through long-term, open-ended, collaborative research that considers class struggle through the lens of psychoanalysis. For years, Limon has been closely involved with a group of people who inhabit social margins, improvise forms of living, work in public space, and often participate in marginal activities. 

Recognition, projection, and fantasy draw him to these subjects and the skills and knowledge they have developed from living at society’s edges.

His work gives form to this iterative research through different media, including video, performance, painting, and installation.

Former resident at the Fiminco Foundation, Paris (2020-2021), Mauricio Limon is a former student of the Rijksakademie, Amsterdam (2016-2017); de la Cité internaltionale des Arts, Paris (2019) and Casa Wabi, Mexico. (2018) His work was presented at Pequod.Co CDMX, 2021; Cultural Institute of Mexico in Paris, 2020; Museo Universitario del Chopo, CDMX, 2019, 2013; Ellen de Bruijne Projects, Amsterdam, 2018; Museo de Arte Carrillo Gil, CDMX, 2019, 2006; Rozenstraat - a rose is a rose is a rose, Amsterdam, 2017; Galería Hilario Galguera, CDMX, 2017, 2014, 2008; Pinchuk Art Center, Kiev, 2014; Museo Tamayo, CDMX, 2014; KunstMuseum Bonn, 2013; Y-Gallery, New York, 2013; Boston Museum of Fine Arts, 2011; Galerie Laroche / Joncas, Montreal, 2011; San Francisco Art Institute, 2010; and Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) Madrid, 2010. His work is part of the collections of Kusnt Palast, DE; Frank Demaegd Collection, BE; Alain Servais collection, BE; Museum of Contemporary Art San Diego, CA; Museo Universitario de Arte Contemporaneo, MX; Cisneros Collection, NY.

https://mauriciolimon.com/

NĂ© Ă  Mexico en 1979, Mauricio Limon vit et travaille Ă  Paris. Sa pratique explore les interactions ethno-urbaines contemporaines, la sexualitĂ© et le pouvoir Ă  travers une recherche collaborative ouverte Ă  long terme qui considĂšre la lutte des classes Ă  travers le prisme de la psychanalyse. Pendant des annĂ©es, Limon a Ă©tĂ© Ă©troitement impliquĂ© avec un groupe de personnes qui habitent les marges sociales, improvisent des formes de vie, travaillent dans l’espace public et participent souvent Ă  des activitĂ©s marginales. La reconnaissance, la projection et la fantaisie l’attirant vers ces sujets et vers les compĂ©tences et les connaissances qu’ils ont acquises en vivant aux confins de la sociĂ©tĂ©. Son travail donne forme Ă  cette recherche itĂ©rative Ă  travers diffĂ©rents supports, dont la vidĂ©o, la performance, la peinture et l’installation.

Ancien RĂ©sident Ă  la Fondation Fiminco, Paris (2020-2021), Mauricio Limon est ancien Ă©lĂšve de la Rijksakademie, Amsterdam (2016-2017) ; de la CitĂ© internaltionale des Arts, Paris (2019) et Casa Wabi, Mexico. (2018) Son travail a Ă©tĂ© prĂ©sentĂ© au Pequod.Co CDMX, 2021; Institute Culturel du Mexique Ă  Paris, 2020; Museo Universitario del Chopo, CDMX, 2019, 2013; Ellen de Bruijne Projects, Amsterdam, 2018; Museo de Arte Carrillo Gil, CDMX, 2019, 2006; Rozenstraat - une rose est une rose est une rose, Amsterdam, 2017; GalerĂ­a Hilario Galguera, CDMX, 2017, 2014, 2008; Centre d’art Pinchuk, Kiev, 2014; Museo Tamayo, CDMX, 2014; KunstMuseum Bonn, 2013; Y-Gallery, New York, 2013; MusĂ©e des beaux-arts de Boston, 2011; Galerie Laroche / Joncas, MontrĂ©al, 2011; Institut d’art de San Francisco, 2010; et Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) Madrid, 2010. Son travail fait partie des collections de Kusnt Palast, DE ; Frank Demaegd Collection, BE ; Alain Servais collection, BE; Museum of Contemporary Art San Diego, CA ; Museo Universitario de Arte Contemporaneo, MX ; Cisneros Collection, NY.

https://mauriciolimon.com/

Sylvie Fortin
Sylvie Fortin

Sylvie Fortin is an independent curator, critic, researcher, and editor based between MontrĂ©al, New York, and Omaha, NE, where she is the Curator-in-Residence 2019-2021 at the Bemis Center for Contemporary Arts. She was Executive/Artistic Director of La Biennale de MontrĂ©al (2013-2017), Executive Director/Editor of ART PAPERS in Atlanta (2004-2012) and Curator of Manif 5 – the 5th QuĂ©bec City Biennial (2010). She contributes to many periodicals, including Artforum International, ART PAPERS, C Magazine, and Flash Art International, and her essays, interviews, and critical writings have been published in catalogues, readers, and anthologies. She initiated PASS, the International Biennial Association’s journal and edited its inaugural issue in 2018. She is also editing the Fall 2020 issue of Public Journal on the currencies of hospitality, which she has been researching since 2017. Her recent exhibition of new works by Richard Ibghy & Marilou Lemmens (2019) at Bemis will be touring through 2022, radically reconfigured for each venue. She is collaborating with Argentinian-French Liv Schulman for the North American premiere of her work, including The New Inflation (2020), a performance in three episodes cast, written, produced, and filmed in Omaha, and a large group exhibition delving into the storied entanglements of the body and hospitality (2021-2022).

Sylvie Fortin est commissaire indĂ©pendante, critique, chercheuse et Ă©ditrice. Elle navigue entre MontrĂ©al, New York et Omaha, Nebraska, oĂč elle est la curatrice en rĂ©sidence 2019-2021 au Bemis Center for Contemporary Arts. Elle a Ă©tĂ© directrice exĂ©cutive/artistique de La Biennale de MontrĂ©al (2013-2017), directrice de la rĂ©daction/rĂ©dactrice en chef d’ART PAPERS Ă  Atlanta (2004-2012) et commissaire de Manif 5 - la 5e Biennale de QuĂ©bec (2010). Elle contribue Ă  de nombreux pĂ©riodiques, dont Artforum International, ART PAPERS, C Magazine et Flash Art International, et ses essais, entretiens et Ă©crits critiques ont Ă©tĂ© publiĂ©s dans des catalogues, recueils et anthologies. Elle est Ă  l’initiative de PASS, la revue de l’International Biennial Association dont elle a Ă©ditĂ© le numĂ©ro inaugural en 2018. Elle Ă©dite Ă©galement le numĂ©ro d’automne 2020 de Public Journal qui traite des devises de l’hospitalitĂ©, sur lesquelles elle mĂšne des recherches depuis 2017. Sa rĂ©cente exposition de nouvelles Ɠuvres de Richard Ibghy & Marilou Lemmens (2019) au Bemis sera en tournĂ©e jusqu’en 2022, radicalement reconfigurĂ©e pour chaque lieu. Elle collabore avec l’artiste Argentino-Française Liv Schulman pour la premiĂšre nord-amĂ©ricaine de son travail, notamment The New Inflation (2020), une performance en trois Ă©pisodes dont le casting, l’écriture, la production et le tournage se sont dĂ©roulĂ©s Ă  Omaha. Elle organise aussi avec elle une grande exposition de groupe qui explore les intrications historiques du corps et de l’hospitalitĂ© (2021-2022).

“À Avignon, « Outremonde Â» dĂ©gage un sentiment similaire de solitude : ThĂ©o Mercier place son public comme face aux derniers survivants d’un cataclysme qui aurait emportĂ© l’espĂšce humaine.
Le groupe Ă©volue dans une enfilade de galeries autour de larges sculptures de sable. L’une d’elles est une fenĂȘtre gothique qui s’affaisse—ou plutĂŽt se dissout—dans l’amas meuble de sable sur lequel elle repose. Sur sa partie supĂ©rieure, elle retient sa forme en ogive et ses ornementations mais Ă  y regarder de plus prĂšs, son ouverture est murĂ©e. A proximitĂ© sont disposĂ©e deux sphĂšres au noir mat inquiĂ©tant qui tranchent avec le beige des constructions de sable. Dans une salle contiguĂ«, un gigantesque pied, de 2 mĂštres de haut et 2,5 de long, trĂŽne comme une relique archĂ©ologique au destin fragile. Face Ă  lui, un chien de sable veille.”

Théo Mercier, Charles Aubin